¿Y si el cine empieza en la red?

Diez años bañados en oro

2010-02-28T13:18:00.005+01:00

Puede que fueran los punks en los 70 quienes marcaran el paso a una sociedad más caótica, rápida, embadurnada por la velocidad de los cambios tecnológicos; o puede que fuera en los 80, con eso de la Movida (con mayúscula), cuando España se abriera definitivamente a Europa y al siglo XX (con muchísimos años de retraso). O, incluso, ya en los 90 y la aparición de los videojuegos y la famosa Generación Playstation. Aunque puede que todos estos acontecimientos y sus protagonistas no fueran más que meros actores secundarios en tres décadas, treinta años, tres nombres: los 70, los 80 y los 90. Porque no hay desgracia más grande en el mundo que carecer de denominación, de identidad, el no ser reconocible con una sola palabra o expresión; y que se lo digan si no a los últimos diez años, a la década sin nombre, a la que empezó con el efecto 2000 y terminó con una nueva revolución técnica del cine, con Avatar (2009) de James Cameron.

Y es que el séptimo arte también tuvo su hueco en este periodo; y el español, cargado de subvenciones y con un saco de pretensiones intelectualistas a la espalda, sorprendió marcando una Edad de Oro, quizás la primera, del cine nacional. Nunca las calles de Hollywood aguantaron el paso de tantos españoles camino del Teatro Kodak, soñando con una estatuilla dorada, con los aplausos de las estrellas ya cinceladas en el suelo de Los Ángeles.

Decir Oscar en España es evocar a la Mancha, a los retratos sociales de un Madrid oscuro y diverso, a Pedro Almodóvar. El cineasta es el único que puede presumir de adornar sus vitrinas con dos premios de la Academia. Y uno de ellos concedido en pleno siglo XXI. Hable con ella (2002), un delicado film sobre la pasión y la soledad, abrió las puertas de lo inimaginable; por primera vez un español levantaba un Oscar que no llevara inscritas las palabras de mejor película de habla no inglesa. En esa ocasión se premió al guión arrebatador y perturbador del director. Un pequeño adelanto de lo que aún faltaba por llegar, ya que sólo un año después paseaba por la alfombra roja sonriente, tímido y esperanzado el gran genio del celuloide nacional.

Porque el tiempo se preocupará de colocar a Alejandro Amenábar en el altar deíctico que le corresponde, junto a los grandes del séptimo arte, a los enamorados de las proyecciones narradas en milímetros (ya sean en 24 o en otro formato), a los que disfrutan con las ingestas de palomitas y el olor de las salas, a los que no pueden evitar mirar hacia atrás en una película para ver las absortas caras de los espectadores. La estatuilla por Mar Adentro (2004) no se la concedió Hollywood, sino un destino previsor y juicioso. El mismo que anteriormente le encumbró, permitiéndole saltar de un género a otro como el mismísimo Kubrick: thriller, terror o ciencia-ficción.

Y mientras tanto, en ese estrecho margen que separa la fama de la técnica, lo vacuo de lo visible, Los Ángeles también tuvieron tiempo para ensalzar la fotografía y música española; para perderse en el laberinto del fauno y observar el paso de los cometas en el cielo.

Todo para dejar al final lo mejor, para despedir los diez años innombrables. Nunca nadie acertó a perfilar la psicosis tan bien como lo hizo Javier Bardem en No es país para viejos (2007), que supo vestir la paranoia con unos tejanos gastados, una chaqueta roída y un flequillo imposible; darle naturalidad a la locura y dotar a la muerte de una belleza intrínseca, con bombona de aire comprimido incluida. El madrileño huyó y persiguió a la vida en un western moderno, preocupado por fronteras inútiles y leyes sin sentido.

Y Pe y ese grito inolvidable (!Pedrooooo¡) y Cruz. Y la mano de Woody Allen concediéndole la eternidad en una película mediocre, pero con un papel delicioso, no apto para cardiacos. El español y el ingles entremezclados frenéticamente en Vicky Cristina Barcelona (2008); robándole protagonismo a Scarlett Johansson; invitando al espectador a odiar, amar, desear y detestar con ella, a recorrer las calles de la ciudad condal gritando y refunfuñando. Y todo para obtener al final el Oscar y hacer justicia; por haberla obviado tres años antes, cuando interpretó el que fuera quizás el papel de su carrera en Volver (2006), enfundándose los guantes y el delantal de cocina, el de Raimunda, y plasmando en la pantalla el realismo mágico del que hablara García Márquez. Tonos rojos para narrar la muerte y la vida, y el paso de la una a la otra; para decirnos que, cuando el fondo del paisaje se niebla y sólo podemos ver nuestras manos, el resto del mundo sigue existiendo.

José Luis

2009-11-18T14:12:00.005+01:00

José Luis, te escribo ahora, semanas después de tu muerte, cuando los periódicos, televisiones y radios ya no pronuncian tu nombre o muestran tu rostro. Te conocí en una bar hace años, en el Madrid más auténtico, en el de los baretos de media tarde donde los viejales acomodan el codo en la barra y cuentan sus aventuras de cuando aún se las gastaban. Allí andabas tú a menudo, solías ir los jueves, como yo. A veces también acudías con Alexandre y Manuel González; incluso hubo días, jueves, en los que a Fernán Gómez le daba por sentarse a tu lado y echarse una whisky sólo con hielo.

Después de verte allí, me dio por preguntarme cómo habías llegado a ese bareto madrileño y rebusqué en tu pasado. Te encontré entonces en La cabina (1972), una película de las que hoy llamaríamos cortometraje. Quizás el primer gran corto del cine español como tal, quizás el primer corto nacional que supo utilizar el moderno lenguaje audiovisual del séptimo arte, el de finales de siglo. Uno de esos pocos filmes que escapó en los 70 de la sensiblería exacerbada y del surrealismo con el que embadurnaban, con brocha gorda, a los estudiantes de cine. Quizás por eso Mercero y Garci aún aguantan el paso de los años.

Seguí ahondando José Luis, continué tachando entradas de tu lista filmográfica. Me enfrenté a El Pisito (1959), El cochecito (1960) y Plácido (1961). Y en fechas señaladas me senté en el sofá, frente al televisor, para pegarme La gran familia (1962) y Sor Citroën (1967). Y te vi de refilón en tus últimas apariciones en la gran pantalla: Torrente 2, misión en Marbella (2001), El oro de Moscú (2003) y Luna de Avellaneda (2004). Pero ahora van, cuando te has ido, y escriben que fue en Mi querida señorita (1971) donde te saliste, donde supiste cambiar de registro y dar una lección en épocas difíciles, de concienciación complicada.

Aunque por mucho que digan, que relaten o cuenten; por mucho que lloren o acompañen tu capilla ardiente; por mucho que hagan, yo te sigo viendo en aquel bar de siempre, en el de cada jueves. En una barra que era de Madrid, pero que podía ser de cualquier parte de España. Tú, José Luis, sigues siendo el mismo que eras la primera vez que te vi: Tú sigues siendo aquel Escabeche, ese que gritaba y reía en La Oficina.

Amenábar en 'El hormiguero'

2009-10-06T19:46:00.003+02:00

Este viernes se estrena en España la última película de Alejandro Amenábar: Ágora (2009). El cineasta lleva ya varios meses de promoción, lo que incluye un apoteósico final de márketing: encuentros digitales, citas, entrevistas y reportajes. Un aluvión de información para conseguir que el próximo 9 de octubre las butacas tengan un culo que sostener. Desde luego, la presentación no es vana. Hablamos de uno de los grandes genios del cine patrio. Todas sus películas aportan algo, son buenas, innovadoras y brillantes. Sólo cinco proyectos le avalan, ¡pero vaya proyectos! Tesis (1996) fue su carta de presentación y Abre los ojos (1997) su confirmación. Después vino el salto internacional con Los otros (2001) y el reconocimiento y prestigio de los premios con Mar adentro (2004). Ahora, con casi su quinta cinta en el mercado, es bueno recordar los principios que rigen su cine. Para ello, ayer estuvieron en El hormiguero de Pablo Motos. Aquí se puede ver:

I'm fucking Matt Damon y Ben Affleck

2009-10-05T21:19:00.002+02:00

Pongamos las cartas sobre la mesa. Bueno, mejor dicho, pongamos a dos actores a la vista. Matt Damon y Ben Affleck dieron la campanada en 1997 cuando ganaron el Oscar al mejor guión original por El indomable Will Hunting (1997). Dos interpretes que se pusieron a escribir: raro lo menos. Lo cierto es que después se han convertido en grandes estrellas. Parece ser que el humor también es lo suyo. Así, en la tele de los EEUU han sorprendido con estos dos vídeos: I'm fucking Matt Damon y I'm fucking Ben Affleck. Lo que hay que ver...

I'm fucking Matt Damon

I'm fucking Ben Affleck

Los personajes de 'Heroes' llegan a 'Lost'

2009-09-30T19:10:00.001+02:00

Bueno, bueno. Ya queda menos para la llegada de la definitiva temporada de Lost (2004-actualidad). Por mucho que busco por la web, es imposible encontrar adelantos de la sexta season, más allá del breve teaser que ya adelantamos aquí. A pesar de ello, navegando por la red, he encontrado una parodia bastante buena donde se entremezclan personajes de Lost con los de Heroes (2006-actualidad). A mi me ha gustado, no sé a vosotros...

10 razones de por qué prohibir Padre de Familia en Venezuela es una gilipollez

2009-09-29T23:30:00.000+02:00

A mí, sinceramente, hay cosas que no me cuadran. En Venezuela deben de tener el punto de mira desviado, porque cuándo apuntan al oso -metáfora al canto- para proteger a la gente, terminan dañando al pobre niño que miraba desde la valla. ¡A ver!, ¡nos situamos! Ayer me cené una noticia en la que se anunciaba que el Gobierno venezolano ha decidido prohibir Padre de Familia (1999-actualidad). El motivo: el órgano que vela por los espectadores de televisión comprendió como una incitación al consumo de marihuana el hecho de que Bryan -el respetable perro de la serie- comenzará en la ficción una campaña para legalizar la marihuana. De verdad, ante casos tan ridículos como éste me parece increíble que haya que dar argumentos en contra de tal situación. Pero aquí un decálogo de razones de por qué esta prohibición es una gilipollez:

1. En el capítulo al que hace referencia el Gobierno venezolano, Bryan defiende la legalización de la marihuana. ¿Es esto una incitación al consumo? Yo creo que no. Es tan sólo la libre manifestación de una postura, con la que se puede estar de acuerdo o no.

2. El argumento para prohibir la emisión de Padre de Familia es la defensa del espectador -algunos medios especifican, la defensa de los menores-. Por un lado, si a quién se defiende es a los menores, creo que es suficiente con emitir la serie fuera del horario infantil -algo que no se hace en España y que debería sancionarse o modificarse la ley en su caso-, pero no prohibirla. Pero si se defiende al espectador en general, pregunto: ¿quién coño es el Estado para proteger a un ciudadano libre de una posición legítima y democrática como es la defensa del consumo de marihuana?

3. No es una defensa del espectador, es simplemente censura ideológica.

4. Aún así, si se considera que ese capítulo incita al consumo de marihuana, ¿por qué prohibir la serie completa? ¿Por qué no censurar sólo un capítulo?

5. Es un atentado contra la libertad ideológica y de expresión.

6. Confundir ficción y realidad es algo inaceptable en una sociedad moderna. No se puede prohibir una película, serie, libro..., porque lo que en ella ocurra sea ilegal -aunque no sea el caso-. No es real, es ficción.

7. El ciudadano es mayor de edad, no necesita que el Estado sea su tutor para que le tenga que dejar ver o no ciertas actitudes en la ficción. Sería como prohibir El triunfo de la voluntad (1934) porque incita al nazismo.

8. Ya se hizo lo mismo hace un año con Los Simpson (1989-actualidad), también prohibidos en Venezuela por ser una mala influencia para los niños. Esta serie fue sustituida por Los vigilantes de la playa (1989-2001) -las tetas de Pamela Anderson están mucho mejor, no digo yo que no-. Por tanto, yo no hablo de que en Venezuela haya una campaña contra las series estadounidenses, sino contra la libertad de crítica.

9. Es curioso que se eliminan dos series irreverentes y que incitan a la crítica del poder establecido, sin importar la tendencia ideológica.

10. Es una gilipollez.

El siete no es sólo un número, 'Los siete magníficos'

2009-09-28T20:10:00.007+02:00

El siete no es un número cualquiera. Son siete los días de la semana, siete los colores del arcoiris y siete los pecados capitales. Había siete colinas en Roma allá por su fundación y fueron siete sus reyes; y en el Apocalipsis siete ángeles harán sonar sus siete trompetas para joder a los injustos que aún osen andar sobre la faz de la tierra. Y siete vidas tiene un gato -aunque en Inglaterra digan que tienen nueve, ¡mentirosos!-. Y siete es igual que 7 ó VII. Y en el cine había siete diminutos empeñados en protagonzar Blancanieves y los siete enanitos (1937); un Kevin Spacey empeñado en teñir de sangre a este número primo en S7ven (1995); unos pocos japos en Los siete samurais (1954); Brad Pitt perdido Siete años en el Tíbet (1997); e incluso en una fiesta estaban los justos y había Siete novias para siete hermanos (1954). Maldito sea este número, que también se alzó protagonista en el film que hoy nos ocupa: Los Siete magníficos (1960).

El primer punto a favor de esta cinta, quizás el más destacado, lo encontramos en su banda sonora, obra de Elmer Bernstein. La sintonía se convirtió desde su difusión en un distintivo del film -incluida nominación a los Oscar-, en un referente del género y en la coletilla perfecta para todo gag que tenga al western como protagonista. Por su parte, la historia es muy simple: el típico enfrentamiento entre el bien y el mal, con arrepentidos, buena gente y desinteresados por un lado. Enfrente, un canalla cabronazo que perderá todo (algo que se sabe desde el minuto uno) cuando los forajidos arrastren las letras de crédito por el desolado desierto, donde se alejarán cabalgando.

Pero no nos podemos quedar en eso. El film es bueno: entretenido, divertido, con acción, revólveres, disparos y cierta moraleja. Todo lo que se le puede pedir al género. Además, con un reparto de lujo: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Horst Buchholz y Brad Dexter. Ellos son los siete magníficos, los encargados de liberar a un pueblo mejicano de la opresión de una banda de malhechores, encabezada por el Calavera -Eli Wallach-.

Y más allá de que es cine comercial, de que a muchos actores no se les saca todo el jugo que tienen o de que los segundos hilos argumentales son inocuos y no aportan nada; más allá de eso, nos enfrentamos a una película que responde a los esquemas arquetípicos del género, que consigue enganchar al espectador y que le hace disfrutar. Para muchos, el último fin del western clásico; para otros muchos, el primer spaguetti western. Nada entre dos aguas en un mar tan amplio, que paso de discutir esa tontería y prefiero recordar los tiros entre forajidos.

'Oscura noche', revuelve el estómago

2009-09-27T21:42:00.002+02:00

El reto de este cortometraje, Oscura noche (2004), es mostrar en tan sólo cinco minutos un gran número de miserias humanas. Federico Peretti lo consigue, desde luego, con una historia desgarradora y un ritmo frenético. Cuando nos queremos dar cuenta, la cinta ya acabado y se marcha dejando el estómago revuelto y la conciencia intranquila. Este es el ejemplo de un buen corto:

'Titanic' por huevos

2009-09-23T22:06:00.004+02:00

Las versiones de Titanic (1997) son infinitas y la cantidad de parodias que hay en youtube asustan a cualquiera. Entre ellas, he encontrado el siguiente video. En él, los personaje tienen forma de huevo y protagonizan una especial Tetonic. Sinceramente, no sé que impresión sacar de esto:

Cuando valió la pena el cine, 'Le voyage dans la lune'

2009-09-20T20:04:00.001+02:00

El cine era un mero invento a principios del siglo XX. Un aparatejo que conseguía reunir en salas de exhibición de París, Londres y Nueva York -por entonces las grandes capitales del mundo moderno- a científicos, curiosos y ricos. Los prolegómenos del business show, los primeros pasos del espectáculo, la prehistoria de la imagen. En 1895 los hermanos Loumière proyectaron la considerada como primera película de la historia: La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (1895). Sólo siete años después, cuando la innovación perdía un poco de fuelle y sus propios creadores calificaban al cine como "una invención sin futuro", apareció un tal Georges Méliès para explotar las posibilidades de la imagen en movimiento.

Llevaba ya trece films a sus espaldas cuando parió la primera gran película de la historia, la inauguradora de un género. Con Le voyage dans la Lune (1902) nació la ciencia ficción en el séptimo arte. Una cinta exploratoria que elevó a la enésima potencia las posibilidades y recursos del cinematógrafo.

La historia -basada en De la tierra a la luna (1865) de Julio Verne y Los primeros hombres en la luna (1901) de H. G. Wells- narra la loca idea de un científico de mandar la primera expedición al satélite terrestre. Y qué mejor nave espacial que una bala gigante lanzada por un cañón de dimensiones estratosféricas. Allí que marchan a la aventura y encuentran unos extraños seres saltarines, circenses, que los obligan a marcharse de vuelta a la Tierra.

Esta cinta no tendría ningún valor si no fuera por su significado. Supone una revolución, un paso adelante en la construcción del séptimo arte. Implicó a principios de siglo lo mismo que después entrañaría la revolución del sonido y la primera película con voz propia, El cantor de Jazz (1927). Hay que verla para comprender este mundo, para saber qué fuimos y de dónde venimos.

[Abajo pueden disfrutar de la película completa de George Méliès. La nieta del cineasta comenta en el video las diferentes escenas]

Trailer de 'Michael Jackson's This Is It'

2009-09-19T20:27:00.005+02:00

Hace unos días, el tipejo este andaba por la web de Cuatro asustando al pobre Culkin. Ahora, tras una larga espera de los fans, lo último de Michael Jackson ya está en la red en forma de tráiler: Michael Jackson's This Is It (2009). El 28 de octubre es la fecha elegida para el estreno mundial del film, en el que se narran los últimos ensayos del cantante para los 50 conciertos que el Rey del Pop prebaraba en Londres. También cuenta con entrevistas a familiares y amigos. No creo que vaya al cine a verla -me niego a pagar siete euros por esto-, aunque en cuanto circule por la red... Bueno, este es el tráiler:

Apta para una sesión palomitera, 'La Profecia II'

2009-09-17T23:00:00.001+02:00

En primer lugar, hablemos de los antecedentes. En 1976 un tal Richard Donner -quien posteriormente diera el gran bombazo con Superman (1978)- presentaba al público La Profecía (1976), brillante película de terror que mantenía en la cumbre al género tras la aparición de El Exorcista (1973). Pero el cineasta, ocupado con la primera parte de la historia sobre Clark Kent, decidió sumarse a la producción ejecutiva de La Profecía II (1978) y dejarle las labores de dirección a Donald Taylor. El resultado no es desechable, aunque tampoco estamos ante una nueva maravilla del terror.

La historia sitúa al espectador en la adolescencia de Damien, el temible niño de la primera entrega. Ahora, ya más crecidito, acude a un colegio militar junto a su primo. Allí encontrará a su nuevo mentor, encargado de adentrarle aún más en ese 'maravilloso' mundo de la maldad, el asesinato, la sangre y el parricidio. ¡Vamos!, el Sócrates del siglo XX. La película versará entonces en torno a las probabilidades de hallar en el chaval un resquicio de bondad, una posibilidad que parece remotísima si tenemos en cuenta que es el hijo del Diablo.

Carente de emoción e intriga, el guión se nutre de una continua sucesión de asesinatos, con algunas escenas deliciosas para el paladar más rebuscado. Pero ni siquiera se puede hablar del típico enfrentamiento entre el bien y el mal, ya que el segundo es el único que presenta durante el metraje argumentos para alzarse victorioso. Es un simple intento por perpetuar el éxito comercial de su antecesora. Entretenida, sin más, y apta para una sesión palomitera en casa a media tarde.

Freeman & Damon VS Mandela & Piennar

2009-09-16T19:45:00.004+02:00

Uno de los grandes proyectos que se espera próximamente es Invictus (2009). Esta película, la vuelta periódica de Clint Eastwood a la gran pantalla (aunque sólo sea como director), se estrenará en los EEUU en diciembre; aunque en España habrá que esperar a enero de 2010. El film, basado en la excepcional obra El factor humano (2008) de John Carlin -la cual recomiendo-, trata las negociaciones que vivió Sudáfrica en los 90. El escritor narra, con Nelson Mandela como protagonista, el proceso que terminó con la eliminación del apartheid. El rugby es uno de los factores fundamentales que propulsaron los acuerdos entre blancos y negros. La victoria de Sudáfrica en la Copa del Mundo de 1995, celebrada en el propio país y tras años de veto en las competiciones internacionales, fundieron a los seguidores del CNA y a los afrikaaners en un abrazo. En la foto [arriba] podemos ver dos instantaneas: a la derecha, Nelson Mandela le entrega el trofeo a François Piennar (capitan de los Springboks); y en la izquierda, Morgan Freeman y Matt Damon recrean el momento para Invictus (2009). ¡Quiero verla!

Los legos también son unos bastardos

2009-09-15T14:42:00.002+02:00

Si os gusta Tarantino y esperáis con ansias el estreno en España de su última película, Inglorious Basterds (2009) -aquí puedes ver uno de los tráiler-, este vídeo os encantará. Con una imaginación desbordante, los Legos recrean uno de los tráiler de la película. Divertido, desde luego:

Michael asusta a cualquiera... y a Culkin

2009-09-14T13:42:00.005+02:00

En el blog de David Bravo de Espacio Fílmica, encontré este error de la página web de Cuatro, referido al cartel de la película Sólo en casa (1990). Un tal Michael Jackson aparece por ahí y asusta al rubio de Macaulay Culkin. Se ve que quien tenía que hacer el montaje, halló la imagen en google. Es la segunda entrada que sale en imágenes del buscador si se introduce el nombre del film. Aunque, también puede ser que el encargado sea un cachondo mental:

Tráiler de 'Trick'r Treat'

2009-09-13T14:10:00.001+02:00

Recuperando la estética de las películas de terror de los años 70, el 6 de octubre aparecerá en los EEUU y diréctamente en DVD Trick'r Treat (2008). Esa fecha es la adecuada para que eche a rodar un film en el que se mezcla hombres lobos, vampiros y asesinos. Con un muñeco algo cabroncete que recuerda al Simón de El orfanato (2007) de Bayona, las críticas que cosechó en los festivales del género fueron bastante buenas. El tráiler, por su parte, no está tampoco nada mal. Elegid: ¿Truco o Trato?

Un lentísimo Van Sant nos condenó con 'Elephant'

2009-09-12T14:55:00.001+02:00

Existen varias formas de empezar un post. De hecho, algunas de ellas están tan utilizadas que son simplemente monótonas. Por ejemplo, el acudir al diccionario de la RAE y comenzar con una definición que nos aporte el hilo a seguir durante el artículo. Es sólo una muestra, pero...por qué no decirlo: es la que voy a emplear en este caso. Corro a la web de la organización, tecleo sus letras e introduzco el término "sobrevalorar". ¡Ay!, su respuesta es demasiado evidente: "Otorgar a alguien o algo mayor valor del que realmente tiene". Pues bien, cuando me enfrento a Elephant (2003) de Gus Van Sant esa palabreja no deja de repetirse en mi cabeza.

Es cierto que la película tiene una impecable factura, que la fotografía es deliciosa y el juego de colores asfixiante. Pero el montaje cansa, esos planos secuencia tan largos aburren e irritan, sobretodo si tenemos en cuenta que el diálogo es escaso -por no decir que está visceralmente ausente-. Me explico más. Me aburre porque es lenta, demasiado lenta apuntaría. Y me irritan los personajes, todos y cada uno de ellos: me provocan un rechazo absoluto, empezando por el rubísimo con la camiseta del toro de Osborne. En serio, desee durante los ochenta minutos que se alarga la cinta que fuera el primero en recibir un disparo.

La historia está basada en la matanza ocurrida en el Instituto Columbine, en Colorado. Y Van Sant nos muestra los acontecimientos desde los propios ojos de los protagonistas. Todo rodado con una sola cámara, aunque ciertas escenas se repiten desde diferentes angulos, desde distintas miradas. Con este instrumento avanza tricotando el metraje con continuos juegos temporales: saltos al pasado y al futuro o paralelismos narrativos. Todo para contarnos poco, muy poco.

Por buscar dobles sentidos que no quede. Escudriñemos parábolas y metáforas escondidas, hablemos de una oda existencialista, del vacío adolescente o de la violencia sin sentido. Tratemos la posesión de armas en los EEUU, la bulimia, los videojuegos o el bullying. Pero a ver, ¿en serio? Este film es un instrumento experimental que se queda en poco más. No entiendo esa Palma de Oro en Cannes.

'La desazón suprema', sobre Vallejo

2009-09-11T16:30:00.006+02:00

Fernando Vallejo es el autor de la famosa obra La virgen de los sicarios, que tuvo su versión cinematográfica homónima en el 2000. Un escritor que critica a todos los sectores y que siempre es acusado de provocador, aunque realmente lo políticamente correcto no es lo suyo. Lo que dejo a continuación es la primera parte de un documental, La desazón suprema (2003), de Luis Ospina. Las ocho partes restantes se pueden encontrar en youtube:

Tráiler de la cuarta temporada de 'Dexter'

2009-09-10T14:41:00.003+02:00

El próximo 27 de septiembre vuelve Dexter (2006-actualidad), ya en su cuarta temporada. Curiosamente el primer capítulo se filtró a la red, por lo que se pudieron conocer los principales hilos argumentales que se desarrollarán en este nuevo ejercicio. Está claro que la reciente paternidad de Dexter será una de las coletillas referentes. Una buena serie que comenzó a ser repetitiva en su segunda temporada; pero, cosas de la vida, acertaron matando a los personajes adecuados y se consiguió deshacer del lastre que lo retenía. En la web ya tenemos el tráiler de la Season 4, aquí lo dejo:

Irreparable realidad en 'Gomorra'

2009-09-09T17:20:00.000+02:00

Gomorra fue uno de los fenómenos editoriales en España el año pasado, aunque antes ya había dejado huella en Italia -por supuestísimo-, EEUU o Bélgica. Una obra periodística con nombre propio: Roberto Saviano. Un hombre perseguido desde entonces por la Camorra napolitana, tras sacar a la luz la mierda que recorría el alcantarillado de la región. Pero, ¿por qué esta vez se levantaron tantas ampollas? Básicamente porque el escritor puso nombres y fechas a todos los tejemanejes de la zona. Además, estaba claro que antes o después tendría su correspondiente versión cinematográfica. Y así fue: lo que eran letras se convirtió al celuloide, pero la emoción y novedad se quedó en el papel. Gomorra (2008), con título homónimo al original, no pudo plasmar en la gran pantalla todo lo que el libro ofrecía.

Por enésima vez, lejos de cualquier estrategia innovadora, el director Matteo Garrone enfrenta al público a varias historias paralelas. Narración simétrica que ya hemos visto y escuchado en infinidad de ocasiones -en la mayoría de ellas con mayor chispa y compenetración que en ésta-. El principal error radica en una historia monótona, sin sobresaltos ni sorpresas. Es como atravesar una planicie en la que no se contemplan montañas en las cercanías. Por mucho que miremos al horizonte, la mayor irregularidad que vemos está ambientada en persecuciones y disparos. El cineasta se limita a echar mano del neorrealismo italiano para contarnos simplemente lo que ocurre, pero sin la magia de la cotidianeo ofrecida por sus antecesores.

A pesar de ello, el fin es entretenido y visible. Una agradable introducción a la violencia sin sentido, al poder del dinero y a la influencia de los medios de comunicación. Uno de los hilos argumentales nos muestra a dos personajillos -rateros de medio pelo que quieren codearse con los grandes mafiosos- identificados con Tony Montana, el mafioso interpretado por Al Pacino en la Scarface (1983). Quiere ser como el irreverente protagonista de Brian de Palma, aunque sus escarceos por los bares de putas y el tráfico de armas se quedan en anécdotas graciosas sin moraleja.

Con un afán documental que despista y sorprende, la cinta se centra en la descripción de un universo patético, sin víctimas ni verdugos, todos están al mismo nivel en esta obra. Forman parte del entramado, lo justifican y lo engranan hasta que la pistola apunta hacia su cabeza. Sangre, venganza, angustia e irreparable realidad italiana. La ficción no engaña, sólo disimula.

Blogs de Cine y televisión de 'El País' y 'El mundo'

2009-09-07T23:04:00.003+02:00

En este post vamos a analizar los blogs de cine y televisión contenidos en los 'sites' de elpais.com y elmundo.es. El objetivo es comentar un poco cómo se enfrentan a este tipo de información desde los dos periódicos más importantes de España. Dejaremos para otro momento el tratamiento de otras webs donde también se utiliza esta subespecie de blog. Por ahora, conformémonos:

Espoiler: El mejor blog en español sobre series de televisión que se puede encontrar actualmente en la red. Actualizado bastante a menudo -un post cada dos o tres días- por Hernan Casciari, un argentino que se ha convertido en un verdadero referente de la pequeña pantalla. En su 'home', podemos encontrar comentarios y análisis de las mejores series de la actualidad y de hace unos años. Además, lo completa con clasificaciones de las mejores o peores teniendo en cuenta una característica concreta: si son de animación, para adultos, de los años 80, etc. Si hubiera que poner estrellas, Espoiler se llevaría cinco.

El viento sopla donde quiere: El típico blog para gafapastas. Escrito por Jonás Trueba y con una actualización semanal. No esperen encontrar en él cine comercial: tan sólo películas de las mal llamadas de autor, bastante poco conocidas en su mayoría -aunque de vez en cuando aparece alguna referencia a directores ahora relevantes pero que comenzaron rompiendo las reglas de Hollwood-. Con un estilo academicista y rebuscado, es como apuntarse a una Escuela de Cine: de vez en cuando se puede ir a clase, pero todos los días... ¡ufff! ¡Qué pesadilla!

Blog de Nacho Vigalondo: En este caso está bastante claro la autoría. La actualización es cada cinco días y los temas que trata el director suelen ser interesantes, siempre que no versan sobre sus películas. Tiende bastante a la autopromoción y hemos podido llegar a ver en el blog el cartel de Los cronocrímenes (2008) utilizado en no sé cuántos países. Por lo menos, un cineasta que se deja ver por estos lares.

Asesino en serie: Por fin un 'site' divertido sobre televisión. Irónico, entretenido y sarcástico, Alberto Rey -dudo que sea el verdadero nombre del autor- disecciona los entresijos de las series de actualidad. De vez en cuando se cuela alguna española entre las elegidas y, generalmente, para ponerla a parir. No esperen piedad de Rey, dudo que la tenga.

Teletridente: Alojada en la misma web que la anterior (elmundo.es) y casualmente su autor comparte el mismo apellido, aunque en este caso se llame Nico Rey. Sigue las mismas directrices también, aunque en este blog se ahonda en la televisión española: generalmente lo más chony y chabacano de la pequeña pantalla. Prescindible absolutamente, a no ser que nos vaya la mierda que echan a media tarde en televisión.

Alta Definición: Es el blog sobre cine por antonomasia de El País. Paso de ser un referente a actualizarse de forma irregular y sumirse en la debacle actual. Tras pasar por varias manos, ahora lo regenta uno de los redactores del periódico, Jordi Minguell, y la mayoría de los contenidos que llegan a él ya han sido difundidos anteriormente en otras webs. Se ha quedado en los huesos, por decirlo sin insultar.

La película que mató al autor

2009-09-06T17:21:00.006+02:00

Cuatro balazos en el rostro es la única renta que le queda a la familia de Christian Poveda. Las explicaciones policiales aún no llegan y los allegados al periodista se preguntan el porqué de su asesinato. Las filtraciones a los medios de comunicación apuntan a la mara La 18 -una violenta banda salvadoreña- como autora del crimen. El motivo: acusan al fotógrafo de enriquecerse a sus espaldas con el documental que grabó sobre la pandilla. Ya ven, con esos argumentos tan simples se intenta justificar lo injustificable. En un reportaje de El País, titulado La película que mató al autor, se analiza el contexto en el que se produjo el incidente y se explica al lector español todos las aristas del conflicto social de la zona. La vida loca (2008) fue uno de sus legados. Aquí tienen un adelanto:

El espíritu de 'Camino'

2009-09-05T20:23:00.004+02:00

Os dejo a continuación una conferencia bastante interesante dada por Javier Fesser y que versa sobre la película Camino (2008). Un film desgarrador y excepcional, que hizo explotar en España un debate alrededor de ella. Por un lado, el Opus Dei: fundamentalistas religiosos. En el otro: un director que consigue producir una verdadera obra de arte. Merece la pena escucharle:

Primera parte:

Segunda parte:

Lo que podría haber sido, 'Prison Break'

2009-09-04T17:00:00.000+02:00

Nació como una miniserie de catorce capítulos y captó la atención de emblemas de Hollywood como Steven Spielberg o Bruce Willis. El proyecto era complejo y el guión lo suficiéntemente enrevesado para marcar un punto y aparte en la pequeña pantalla. Un guiño, desde luego, a la excepcional Cadena perpetua (1994) de Frank Darabont. En esta ocasión, nos sitúan en Fox River, una prisión de alta seguridad donde un joven es encerrado y condenado a pena de muerte. Su hermano, Michael Scofield, decide ayudarle a escapar. El título no podía ser más claro: Prison Break (2005-2009).

Pero para analizar esta serie debemos conocer su evolución. Tras el éxito televisivo de los primeros capítulos, los creadores decidieron alargar la temporada. Craso error. Hasta el momento la historia impresionaba y dejaba en la retina de los espectadores imágenes impactantes y giros narrativos desconcertantes y atractivos. Pero este tv show funciona con un final. Si no lo tiene, mejor apaga y vámonos. Y así ocurrió. La segunda temporada salvó los muebles y, cuando todos esperaban el desenlace, los productores escucharon el tintineo de los dólares y prefirieron continuar la saga. ¡Qué desperdicio! Pasamos de un hilo argumental intenso a pura basura entre rejas. A partir de aquí los acontecimientos se hacen repetitivos y el espectador se convierte en un mero 'ingestador' de escenas sin sentido.

La cuarta temporada ya fue la debacle. Había que ponerle fin a este pequeño gremlin al que dieron de comer pasada la medianoche. Al engendro había que exterminarlo y se le puso fecha límite a la historia. Fue entonces cuando todo volvió a funcionar. Las piezas encajaban y la cinta tenía fuerza otra vez. La clave: contar con un final. Así se concibió la serie y por eso funcionó. Cuando se le desposeyó de la esencia que la mantenía, se desvaneció y el público lo entendió así. Por suerte, los guionistas pudieron acabar lo que empezaron y Prison Break no se convirtió en el nuevo The 4400 (2004-2007).

Ahora bien: el rendimiento económico debía continuar. No tenían suficiente con destrozar un enormísimo proyecto original. Una tv film de hora y media como colofón que no aporta nada. De hecho, más bien consigue escupir al público las verdades que ya sabía: los personajes se habían desvirtuado y sólo T-Bag aguantaba el pulso porque seguía fiel a lo que fue desde el capítulo uno de la primera temporada. El resto de personajes se desdibujó con el paso de los minutos y lo que fue Prison Break, se quedó en un podría haber sido. Nada más.

'Moments', de Will Hoffman

2009-09-03T17:35:00.003+02:00

Una de las ventajas del Facebook es la posibilidad de compartir todas las curiosidades que nos encontramos por la red. A un amigo -gracias Rafito- se le ocurrió colgar este corto: Moments de Will Hoffman. Sinceramente, me parece fantástico. Según su creador, se inspiró en el libro Sum de David Eagleman. Si quereis saber más de este director y conocer su obra, os invito a pasaros por su página web: anyoneeverything.com. Bastante interesante y muy creativa. Sin más dilación, os dejo con la cinta:

El día en que Moore alzó un Oscar

2009-09-02T19:56:00.006+02:00

El 2002 fue el año del euro, el del secuestro de Íngrid Betancourt y el del 'centenariazo'. También fue capicúa. Y el del estreno y promoción de Bowling for Columbine (2002). En esta cinta, Michael Moore arremete contra la libre posesión de armas en los EEUU. Una visión sarcástica, sagaz e inteligente que le valió el Oscar. Cuando recogió la estatuilla y tras poner en pie al Teatro Kodak, pronunció uno de los discursos más polémicos que se habían oído por entonces. Su objetivo fue Bush -en Farenheit 9/11 (2004) se explayará aún más-, a quien puso en el punto de mira. Desde entonces mucho ha cambiado la cosa, pero es bueno que no se olvide el legado del considerado como uno de los peores presidentes de la historia de los EEUU: las torturas de Guantánamo, la continua violación de derechos civiles o la Guerra de Iraq. Por si acaso, recordemos el día de Moore:

La tragicomedia que cerró el siglo

2009-08-21T17:06:00.002+02:00

El concepto de tragicomedia, miscelánea de la auténtica tragedia y la elegante comedia, encontró a finales del siglo XX un excepcional referente. San Mendes retrató en American Beauty (1999) una sociedad media americana monótona -constante que repetirá el director en Revolutionary Road (2008)- y devaluada, adormecida en los barrios de las afueras y mortecina en estética y ética. Fue un trago revitalizante para el cine estadounidense, que empieza y termina con la mejor voz en off de la historia del celuloide. En este video podemos ver ambas escenas: no repriman las lágrimas.

Los Oscar made in 'Splunge'

2009-08-15T00:21:00.002+02:00

Tras El Informal, Florentino Fernández y Miki Nadal deambularon por las televisiones españolas. Ambos tardaron tiempo en volver a consolidarse como los cómicos que eran. Finalmente encontraron Splunge en TVE. Nos dejaron multitud de sketchs sobre una infinidad de temas. El cine y los Oscar también tuvieron su sitio:

Tráilers fresquitos, fresquitos...

2009-08-10T17:44:00.005+02:00

Tras un periodo de abandono -maldito resultado de compaginar calor, verano, trabajo y estudios-, vuelvo a la carga. Durante lo que queda de periodo estival -bonito eufemismo- voy a intentar que los posts sean un poco más ligeritos, para que así no sean demasiado grandes las paradas por inactividad. Desde luego que me dispongo a aprovecharme de la época y 'tirar' de internet y youtube. Para empezar, un par de tráiler interesantes: Alicia en el país de las maravillas (2010) -el último proyecto de Tim Burton- y The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009) de Terry Gilliam -donde se verá la última actuación de Heath Ledger-. Ambos son proyectos muy interesantes y los tráilers... merecen la pena. Eso seguro.

Alicia en el país de las maravillas (2010):

The Imaginarium of Doctor Parnassus (2009):

Tráiler de la segunda parte de 'Millenium'

2009-07-23T23:10:00.004+02:00

Tras el éxito de Los hombres que no amaban a las mujeres (2009), primera parte de la Trilogía Millenium, ya se pronostica que el estreno de la segunda llegará a finales de año. Con el escueto título de La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina (2009), este film apunta a convertirse en una de los próximos taquillazos. El tercer volumen de la obra de Stieg Larsson contará también con su adaptación. Aunque estaba previsto que las tres cintas se proyectaran durante el 2009, habrá que esperar un poco más para conocer el desenlace. El tráiler de la segunda entrega ya está en la red:

'Padre de Familia' con Indiana y Zidane

2009-07-19T17:15:00.002+02:00

Padre de familia (1999-actualidad) supuso en la televisión dar un paso más allá de Los Simpsons (1989-actualidad). Esta serie elevó el absurdismo a cotas tan elevadas que parecía extraño ver allí un ápice de inteligencia. Lo cierto es que tras las situaciones surrealistas se esconde una constante y feroz crítica a la sociedad -es especial la norteamericana-. Los guionistas tiran de clichés e ingenio para hacer que las carcajadas suenen más inteligentes que nunca. Os dejo aquí dos escenas brillantes: una sobre Indiana Jones y el templo maldito (1984), y la otra con Zidane como protagonista -esta última la he incluido porque me parece simplemente brillante-:

Terror en blanco, 'Déjame entrar'

2009-07-15T22:09:00.000+02:00

Déjame entrar (2009) fue el nombre elegido por el sueco Tomas Alfredson para titular su última obra. Hay en esas palabras una belleza metafórica escondida, un arte intrínseco que se exterioriza al conjugarse el celuloide con la pantalla de cine. Es esta película un ejemplo magnífico de cómo utilizar la fotografía en una cinta, de cómo dotar a cada plano de un contenido mayor que el que se desprende a simple vista. Es en ese out of camera tan sugestivo, en la capacidad para transmitir sensaciones, donde explota este film sobre vampiros, amor y sufrimiento.

El metraje nos traslada hasta unos suburbios de Estocolmo en los años 80. Entre la monotonía arquitectónica y un paisaje nevado, se fraga una historia de venganza y resignación. Su protagonista es tan sólo un niño, casi adolescente, pero aún en esa endeble línea que separa ambas etapas vitales. Mientras el chaval imagina cómo evitar los abusos de unos compañeros de clase, aparece en su barrio una nueva niña, una niña vampiro.

Con un guión entrecortado, que aguanta a tirones el pulso narrativo, avanzamos hacía el trágico e inocente amor imposible. La sangre, desdibujada en la nieve, como telón de fondo para adentrarnos en una mezcla extraña, una experimentación inusual que en cualquier revista de gafapastas calificarían como neothriller de terror o post-horror traumático.

La tensión, elemento fundamental en el género, sufre repentinos altibajos; pasando de unos picos de angustia elevadísimos a preguntarnos el porqué de los acontecimientos, cuál es la hoja de ruta planteada por el director. Esas contradicciones emborronan una película brillante en lo estético, que termina con un final perfecto, estremecedor, no apto para cardiacos.

Completada la trilogía sevilla, 'Aquello era otra cosa'

2009-07-11T13:53:00.003+02:00

No es habitual que tres posts seguidos sean cortos, pero creo que esta ocasión lo merecía. Tras los pijos y los canis, se completa finalmente la Trilogía sevillana creada por Mundoficción. Dicen que volverán en verano con más historias del Rafi y el Fali -esperemos que así sea- o, incluso, que se plantean escribir un largo. Lo cierto es que, en el estreno de esta última entrega ,no cabía ni un alma en la sala hispalense donde se proyectó. Afortunadamente, podemos disfrutar de él en Internet: Aquello era otra cosa (2009).

Corto 'Esto ya no es lo que era'

2009-07-10T11:34:00.003+02:00

Ayer fueron los pijos los protagonistas. Hoy le dan la réplica los canis sevillanos. Con sus zarcillos y collares, sentados en su hábitat natural, el banco del parque, estos personajillos creados por Mundoficción han alcanzado un considerable éxito y superan en youtube el millón de visitas. Mejor apagar la televisión, conectarse a internet y hartarse de reir con esto:

Corto 'Eso es así'

2009-07-09T11:21:00.005+02:00

Hay verdades como puños, como los puños de camisa de uno de los protagonistas de este corto. Ambientado en Sevilla y con dos pijos como personajes principales, se hartan de decir en diez minutos verdades universales -ironía subrayada, válgame-. Rafi y Fali, estos susodichos, departen sobre lo divino y lo humano en una mañana de lunes al sol. Porque Eso es así (2009):

De 'House' a la 'House Blanca'

2009-07-08T11:10:00.000+02:00

¿Quién dijo que en la televisión no había futuro? Todos sabemos -ironía subrayada- que EEUU es la tierra de las oportunidades y que el sueño americano es más merchandising que otra cosa. Pero el cine y la televisión no hacen más que quitarnos la razón. Primero fue Ronald Reagan, quien decidió dejar su carrera de actor y convertirse, allá por los años 80, en el Presidente de los EEUU. Después le tocó el turno a Arnold Schwarzenegger que se conformó con ser el gobernador de California -nunca podrá ser presidente de los Estados Unidos al haber nacido en Austria-. Y ahora, de manera más modesta eso sí, es la hora de Kal Penn. El actor decidió dejar la bata de lado y a su papel del doctor Lawrence Kutner en la serie House (2004-actualidad), para asumir el cargo de enlace de la Casa Blanca con las comunidades asiáticas estadounidenses. Penn dio su respaldo a Barack Obama, durante la pasada campaña... ¿Le sienta mejor la bata o la chaqueta?

¿Spiderman?: Mejor sin efectos especiales y en los 70

2009-07-07T10:20:00.001+02:00

Mayo de 2011 es el mes elegido para que todo el mundo occidental se paralice. Es la fecha de estreno de Spiderman 4 (2011). Poco se sabe del argumento, pero seguro que llenará salas de cine. Más aún, si se tiene en cuenta que Spiderman 2 (2004) recaudó en todo el planeta la, nada desdeñable cifra de 784 millones de dólares. Y, aunque la tercera entrega no fuera más que un insulto burdo al espectador, ya es gigantesca la expectación que en internet se está produciendo. Lo que es seguro, es que lo tiene difícil si quiere superar los efectos especiales de esta versión, The Amazing Spiderman (1977). ¿O no?:

Tráilers de 'Californication'

2009-07-06T11:40:00.001+02:00

David Duchovny -sí, el Mulder de Expediente X (1993-2002)- sorprendió hace dos años con una serie picante, mal hablada y magnífica. Era la vuelta de una de las estrellas de la televisión y, por ello, la cadena privada Showtime le otorgó el papel protagonista de Californication (2007-actualidad). Duchovny es un escritor adicto al sexo, que no duda en follarse a toda hembra que revolotea a su alrededor. Eso sí, este personajillo también opta por tener principios. Así, este contratiempo -y la utópica relación con mantiene con su ex- será el principal problema que hile el argumento de la historia. Acaba de anunciarse que en otoño regrasará con la tercera temporada de la serie -cuyo tráiler ha sido vetado en youtube y retirado por petición de CBS, pero que podemos ver en este enlace- y, por ahora, tenemos que conformarnos con ver el trailer de la primera:

¿Segundas partes?, 'Indiana Jones y el templo maldito'

2009-07-05T14:49:00.006+02:00

Corría el año 1984 y a Hollywood ya no le hacían falta superhéroes de capa y antifaz. De hecho, más bien le sobraban tras la decepcionante y decadente Superman III (1983). Los 80 fue la década de la acción más desternillante, esa mezcla de humor y golpes a ritmo de rock and roll que alcanzó su cumbre más alta con Jungla de Cristal (1988) y Superdetective en Hollywood (1984). Pero nada de ello se entendería sin la perspicaz imaginación de Steven Spielberg. Tras El arca perdida (1981), llegaba a la gran pantalla la segunda entrega de Indiana Jones. Así, El templo maldito (1984) se convirtió en la predecesora perfecta de La última cruzada (1989) -y mejor dejar de lado El reino de la calavera de cristal (2008)-.

La segunda entrega del Doctor Jones no permite el más mínimo respiro al espectador. El ritmo con el que director dota a la cinta es frenético, apabullante. Saltamos de Shangai -y una pelea con los gángsters de la ciudad- a la India, donde Tapon y Willie (benditos secundarios) ponen la mano, el pie o el culo donde no deben. Entre idas y venidas, persecuciones y tiros, se construye una cinta erguida sobre personajes divertidos e infantiles, que reinstauran los miedos, fobias y filias del público.

Llegamos entonces a la escena que revaloriza una película, a esa persecución trepidante en los carricoches de la mina. En ese preciso momento es cuando los estereotipos se disipan y el espectador se entrega a la acción que se muestra en la gran pantalla, a esa velocidad que provoca saltos en el sillón, que acrecienta el ansia de comer palomitas y que te deja con un deseo irrefrenable de que todo empiece otra vez, para ver como los malos reciben hostias hasta en el cielo de la boca.

Y hace también aparición ese humor tan gráfico, para todos los públicos, fino e inteligente; que coordina excepcionalmente con lo que es una espléndida demostración de la esencia del cine de aventuras, del entretenimiento alzado a los altares del arte.

De siluros y 'Los Simpsons'

2009-07-04T14:06:00.006+02:00

Leo en Internet que esta semana ha comenzado en el Ebro la temporada de pesca de siluros. Es escuchar el nombre de ese tipo de pez e, inmediatamente, se me vienen a la mente Los Simpsons (1989-actualidad). Me refiero al capítulo en el que Marge y Homer se van de retiro religioso para encontrar el camino correcto de su matrimonio, pero que Homer se plantea como una magnífica ocasión para enfrentarse a la madre tierra. Es el General Sherman, el siluro más grande que los habitantes de Springfield recuerdan, el objetivo de este personajillo amarillo. No digáis que no se parecen:

Los Legos protagonizan 'Twin Peaks'

2009-07-03T10:00:00.001+02:00

Como os dije hace tiempo, estoy en pleno proceso de visualización de una de las series más importantes de la historia de la televisión: Twin Peaks (1990-1991). No es de extrañar que su éxito haya trascendido fronteras y medios, haya saltado de la televisión a otros formatos y haya influenciado a artistas de todas las tendencias. De tal forma ha sobrepasado la pantalla de ese pequeño rey de los electrodomésticos, que en internet hay parodias para todos los gustos. En este caso, podemos observar una versión protagonizada por muñecos de Lego. El título no es otro que el ingeniosos Twin Bricks:

Youtube censura una obra de los Wachowski

2009-07-02T10:14:00.001+02:00

En Youtube parece que no ha caído demasiado bien la última obra de los hermanos Wachowski -así es, los creadores de la revolucionaria The Matrix (1999)-. El portal ha decidido que la última obra de los cineastas contiene material para adultos, limitando su acceso a todos los usuarios mayores de dieciocho años y que esten registrados. El video que ha originado el conflicto es el último videoclip de Antony and The Johnsons, cuyo título es Epilepsy is dancing y que podemos ver a continuación:

Cómo confundir 'Lost' con un accidente aéreo

2009-07-01T13:47:00.005+02:00

El contrastar la información debe ser una de las premisas básicas del periodista. Aunque te lleguen unas imágenes y te digan que son tal cosa, más vale corroborar que lo que se va a emitir es veraz -no vaya a ser que te ocurra lo que a Intereconomía-. Este dogma debe intensificarse cuando los fenómenos que se nos presentan parecen sacados de la ciencia-ficción. Así, recordaréis el accidente del avión que cubría el trayecto Río de Janeiro-París, que cayó al Atlántico y en el que murieron 228 personas. Pues bien, un telediario de Venezuela emitió unas fotografías del supuesto siniestro, sin darse cuenta que eran un extracto de Lost (2004-actualidad). Lo más sorprendente de todo, es la explicación tan surrealista que le dan al modo en el que fueron tomadas y recuperadas las imágenes.

El telediario:

El tráiler de Lost con las mismas imágenes:

'Cobardes', un relato inacabado

2009-06-30T21:00:00.001+02:00

Juan Cruz y José Corbacho sorprendieron hace cuatro años con la película Tapas (2005), una modernización del relato social, una actualización de un estilo de narración audiovisual demasiado arraigada al cine patrio. Con un lenguaje claro y coherente, los codirectores supieron fusionar al español más urbanita con el submundo que rodea a la prole trabajadora. Era una efectiva aproximación de lo cercano, de lo inmediato. Con este precedente, no es de extrañar que su segundo largometraje levantara tanta expectación. Cobardes (2008) llegó a la gran pantalla para contar una historia de acoso escolar desde la perspectiva del perseguido, del débil; aprovechando que el bullyng se había convertido en un auténtico fenómeno mediático.

En este segundo round, ambos realizadores fallan. La narración es simple y lineal; los personajes son esbozos incompletos; y el guión no tiene fuerza dramática. Así, la historia gira en torno a un protagonista que no parece perdido o dañado por el acoso al que es sometido. Los golpes son los únicos argumentos para decir que lo que vemos en pantalla es bullyng, porque no se muestra ni un sólo efecto psicológico en la víctima. Estas imperfecciones se derivan del trato superficial al que se somete la narración. Corbacho y Cruz quieren tocar tantos temas, mostrar tantas miradas, que terminan por no enseñar nada. No hay dolor más allá de las heridas, no hay miedo en los ojos inexpresivos del zanahorio.

Por otro lado, sorprenden las actuaciones de Paz Padilla y Lluis Homar por razones muy diferentes. La gaditana no desentona fuera de la comedia y se aprecia ese esfuerzo por adaptarse al género dramático -eliminando, además, el acento andaluz y dándole a su tono un autoritarismo repleto de eses-. Por su parte, Homar consigue retratar a la perfección a un político idealista y orgulloso, sometido a los poderes de su partido.

El Dr. Wilson prefiere 'Gente corriente'

2009-06-25T10:34:00.001+02:00

Existen numerosos mitómanos que buscan los entresijos de cualquier plano y secuencia, para después extrapolar relaciones y sacar conclusiones. Así, por ejemplo, hasta en los artículos sobre películas de la Wikipedia suele añadirse una sección que explica ciertas extravagancias y singularidades. Una de las más extendidas en el panorama televisivo, se refería a la serie House (2004-actualidad). En el despacho del Doctor Wilson, podía observarse hasta ahora el cartel de la película Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock. Ya no es así. Visualizando uno de los últimos capítulos de la quinta temporada, he podido observar cierto cambio. Ahora, el honorable Wilson prefiere Gente corriente (1980) de Robert Redford. Lo podemos apreciar en el siguiente fotograma:

Hay muchos tipos de frikis

2009-06-24T10:00:00.001+02:00

Existen muchos tipos de frikis. Están los originarios, los primeros de todos, aquellos que pululaban por los estrenos de Star Wars con espadas láser de plástico y se disfrazan con las orejas del capitán Spock. Después se extendió la palabra y su uso. Pasó a haber frikis de todo. Frikis de la informática, de las videoconsolas, de la música, de las matemáticas y un etcétera sin fin. Ya no hay distinciones. Se puede ser friki de los zumos de naranja, de las series de televisión, de las películas subtituladas en polaco... Ahora bien. Lo que es cierto, es que sólo los frikis auténticos se comprarían uno de estos:

Primer tráiler de 'Inglorious basterds'

2009-06-23T10:00:00.002+02:00

Ya está aquí, ya llegó. Tras el primer teaser oficial de Inglorious Basterds (2009) -la última de Quentin Tarantino-, ya se puede disfrutar en internet del primer tráiler. Esta vez podemos ver muchas más imágenes que en el primer adelanto, pero aún no se nos muestra la esencia de la película. Estoy ansioso por ver a esos americanos matando nazis porque sí, imbuidos todos en la estética de Kill Bill (2003). Lo malo es que habrá que esperar hasta el 21 de agosto:

¡Por Júpiter! 'El golpe de menhir'

2009-06-22T19:32:00.001+02:00

Hay en Bélgica un héroe por antonomasia; un joven periodista con flequillo que, de haber existido realmente, sería nombrado hijo predilecto de todas las villas del país y guardaría en una caja cientos de llaves de pueblecillos. Tintín es Bélgica y Bélgica es Tintín: inseparables caras de una misma moneda. Presumen los belgas -objetivos de los chistes vejantes de los franceses, versión norpirenaica del Lepe español- ante sus vecinos francófonos de poseer un icono de la modernidad, al viajero del siglo XX, un tipo muy alejado de esa ridícula estética bohemia parisina. Pero es entonces cuando sacan pecho los gabachos, dejan a un lado el foulard y la absenta, y textualizan de memoria eso de Estamos en el año 50 antes de Cristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos... ¿Toda? !No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor. Además, para más inri, se carcajean comparando la diferencia entre las irrisorias y desdeñables versiones cinematográficas del journaliste, con las de Astérix y Obélix. Un claro ejemplo: El golpe de Menhir (1989).

En esta ocasión, la narración empieza con la llegada de un adivino a la aldea; quien, mediante una ferviente verborrea, consigue embelesar a los incautos galos. Por supuesto, Astérix no se dejará embaucar, pero esta vez no cuenta con el apoyo de Panoramix -loco desde que el gordito de Obélix decidiera tirarle un menhir encima-. Aquí es cuando nos adentramos en la dimensión social de la obra, observando cierta crítica a la presión ejercida por la masa -representada por una cabecilla inesperada y manipuladora: la esposa del jefe-.

A pesar de la estética infantil y tras los impronunciables nombres de los secundarios -Asurancetúrix o Abraracúrcix, por ejemplo- se esconde una brillante adaptación del cómic de Uderzo y Goscinny. Más allá de los romanos, de las peleas y la poción mágica; hay una doble historia dirigida a los adultos. Son abundantes los gags para los más mayores, quienes pueden hacer una lectura más profunda de lo que se les ofrece en pantalla. ¿Las paranoias del druida no se parecen más a ciertos efectos alucinógenos? Es una comedia, sin duda; y para niños, por supuesto. Pero también pueden disfrutar de ella los que se emocionaron hace años combatiendo al todopoderoso Julio César.

'Reacción', corto de David Victori

2009-06-21T13:01:00.003+02:00

David Victori es el escritor y director de este cortometraje, protagonizado por Santi Millán. Con una atmósfera agobiante, durante más de diez minutos nos tortura a la espera de una Reacción (2008) -título acertadísimo- por la paliza a la que una mujer está siendo sometida. Es escalofriante ver reflejadas en la pantalla las dudas del personaje, el miedo por enfrentarse a lo impredecible:

Primer trailer de la sexta y última temporada de 'Lost'

2009-06-12T13:27:00.004+02:00

Ya está aquí el primer tráiler de la sexta y última -y esperadísima- temporada de Lost (2004-actualidad). Habrá que esperar hasta el 2010 para poder ver el desenlace de esta serie. Por ahora debemos conformarnos con apenas doce segundos de adelanto. Con un plano en blanco, como terminara la quinta temporada, la tensión se multiplica. Es poca cosa, pero en los próximos meses empezarán a multiplicarse en la red las imágenes de este fenómeno televisivo del último lustro. ¿Ansias? ¿Nervios? ¿Deseos irremediables de acabar lo que empezó hace cinco años?

El Pato Donald se acerca a Tío Gilito: cumple 75 años

2009-06-12T10:00:00.002+02:00

La vida media de un pato ronda los doce o trece años. Pero no siempre es así. El caso es que uno de estos animalitos ha llegado ya a los setenta y cinco. El Pato Donald, un ser que responde bastante poco a los ideales de Disney -es malhumorado, cascarrabias, envidioso e interesado-, celebró el pasado 9 de junio su aniversario. Una de sus historias más famosas data de 1943, cuando aparece en Der Fuehrer's Face (1943), obra ganadora del Oscar a mejor corto animado. En ella, Donald interpretaba a un trabajador de una fábrica nazi. Pero su primera aparición en pantalla fue como secundario en The Wise Little Hen (1934), historia de la que podemos disfrutar en este vídeo:

Lo nuevo de Kevin Spacey, tráiler de 'Shrink'

2009-06-11T10:00:00.002+02:00

Vuelve a la gran pantalla Kevin Spacey. No es que se fuera, pero sí se apartó un poco de Hollywood para centrarse en el teatro, su auténtica pasión. Con dos Oscar -por American Beauty (1999) y Sospechosos habituales (1995)- y numerosos papeles estelares -L.A. Confidencial (1997) o Seven (1995)- como avales, el estadounidense regresa con el papel protagonista de Shrink (2009). El actor interpretará a un psiquiatra cuyos principales pacientes son famosos y estrellas del celuloide. Aún se desconoce cuándo se estrenará, pero ya podemos ver su tráiler:

Apatía consentida en 'Los girasoles ciegos'

2009-06-10T10:00:00.001+02:00

La predilección de la Academia Española de Cine por José Luis Cuerda es de sobra conocida y en la elección de la película que representó a España en los Oscar de 2008 se puso de manifiesto. Entre los tres finalistas -donde se echó de menos a la magistral obra de Javier Fesser, Camino (2008)- se encontraban la entretenida Siete mesas de billar francés (2007), Sangre de Mayo (2008) y Los girasoles ciegos (2008). Es esta última obra la que nos ocupa -dirigida por el director albaceteño y con un guión firmado por Rafael Azcona-, la que consiguió ser la representante nacional de cara a Hollywood. Aunque, tras ser rechazada para estar en la multipantalla pre-estatuilla, hubo un pequeño periodo de reflexión sobre el cómo había llegado esta cinta hasta allí. El resultado: aunque tenía quince nominaciones a los Goya, sólo ganó uno.

Toda esa desazón se debe a la decepcionante adaptación del libro homónimo de Alberto Méndez. Al film le falta fuerza narrativa y al guión veracidad. Los actores se pierden en un hilo argumental difuso en el que hay historias de sobra -valga como ejemplo la huida de la pareja de jóvenes, hijos del matrimonio protagonista-. Así, la pasión que desprende Maribel Verdú se difumina por la falta de química con Javier Cámara. No hay intensidad cuando se hablan, cuando se miran, cuando se desean. A pesar de ello, el actor español esta sublime, transmitiendo una sensación de tristeza y de cansancio por las batallas perdidas; ausente por la vida que le han robado y por quienes le obligan a esconderse tras un armario.

Pero la irregularidad se prolonga en el metraje. No sólo tarda en arrancar sino que, tras presentar a los protagonistas, se sumerge en una apatía consentida, sin sobresaltos. Es en esa planicie argumental donde fracasa también Raúl Arévalo, incapaz de sacarle jugo al interesantísimo personaje que se le ofrece. Un diácono que luchó en la Guerra Civil, que mató, violó y se fue de putas; pero que vuelve a Orense para enseñar a los niños las reglas de Dios. En su camino se le interpondrán las tentaciones y la carne: Maribel Verdú.

Lo que podría haber sido un relato desgarrador de cómo se impuso la fuerza en la posguerra, desemboca en la vulgaridad más simplista y el sexo se convierte en el impulsor del film. La película se hace entonces aburrida, porque lo que se muestra en pantalla no aporta nada nuevo. Las desgracias, venganzas y crispaciones resultantes del conflicto fratricida han sido utilizadas en demasía por el cine patrio. Los girasoles ciegos (2008) se quedan en una repetición de los reproches de los vencidos, en el mero plasmo de las injusticias. Se olvida Cuerda de que el cine, para ser realmente cine, tiene que aportar mucho más. Debería revisar su Lengua de las mariposas (1999).

El Team Hoyt

2009-06-09T15:56:00.004+02:00

¿Qué es el Team Hoyt? Un equipo de atletismo compuesto sólo de dos personas, Dick y Rick Hoyt, padre e hijo, que han completado maratones por toda la geografía de los EEUU. Pero algo les hace especial. El caso es que Rick no puedo caminar ni hablar. A pesar de ello, el esfuerzo de superación de ambos dió lugar a que participaran en la prueba conocida como Ironman -3'86 kilómetros nadando, 180'2 en bicicleta y 24'195 corriendo-. Este es el emotivo resultado:

'Twin Peaks' en 'Los Simpsons'

2009-06-08T09:27:00.000+02:00

Estoy en pleno proceso de visualización de Twin Peaks (1990-1991). Es decir, me estoy pegando las dos temporadas que la componen (ocho capitulos la primera y veintidos la segunda). Esta serie, de Mark Frost y David Lynch, está considerada como una de las grandes obras de arte realizadas para la televisión. De hecho, la pregunta ¿Quién mató a Laura Palmer? se ha incorporado al imaginario social -sobretodo en los EEUU-. Aquí, podemos observar ya el gran surrealismo de Lynch y ese gusto por lo onírico, algo que volverá a explotar en Mulholland Drive (2001). Así, en Los Simpsons (1989-actualidad) han ironizado sobre la dificultad para entender al cineasta. Os dejo un ejemplo.

Saramago se pasa al cine

2009-06-07T10:03:00.000+02:00

De José Saramago, premio Nobel de Literatura en 1998, sólo he leído dos obras. Por un lado, la magnífica, brillante y siempre recomendable Ensayo sobre la ceguera (1995) -que adaptó al cine Fernando Meirelles con el título de Blindness (2008)-. Del otro, El Evangelio según Jesucristo (1991), bastante aburrida y repetitiva; aunque algo experimental en lo que a recursos narrativos se refiere. Pero el portugués decidió en 2001 escribir un relato infantil al que llamó La flor más grande del mundo (2001). Poco después, fue adaptada al cine como cortometraje de animación. Simbólica, llena de magia y ternura; y con una música excelente -obra de Emilio Aragón-. El propio autor narra la historia. Disfrutad de ella:

¿Un accidente sexual?, muere David Carradine

2009-06-06T13:33:00.003+02:00

Cada vez que muere un actor en extrañas circunstancias, los rumores incrementan su velocidad y se interponen en el camino de la información. Ya pasó con Heath Ledger, cuando apareció muerto por una sobredosis accidental de pastillas para dormir; aunque en la red circulaban montones de especulaciones sobre un posible suicidio. La cuestión es que la historia se repite. David Carradine -famoso por su papel en la serie Kung Fu (1972-1975) o su participación en Kill Bill (2003)- apareció maniatado y muerto en un hotel de Bangkok, lo que hizo volar la imaginación de numerosos internautas.

A pesar de ello, se impuso la cordura y, a medida que pasan las horas, las autoridades tailandesas van dando a conocer más datos sobre la muerte del actor de 72 años. Desde el Instituto Central de Medicina Forense apuntan sobre las posibilidades de que el fallecimiento se debiera a un accidente de índole sexual. Carradine fue encontrado desnudo, con una cuerda atada al cuello y otra a los genitales, y ambas al armario; según apunta el general de la policía de Bangkok, Worapong Siewpreecha. Las autoridades no han encontrado rastro de forcejeos en la habitación, por lo que han sido bastante directos y explícitos sobre los resultados de la investigación: "parece que su muerte fue resultado de un accidente mientras se masturbaba". Aún así, el estadounidense no murió por causas naturales, por lo que se esperan los resultados de toxicología para averiguar si había tomado alcohol o drogas.

Con esta, son ya numerosas las muertes de actores en circunstancias extravagantes. Todo el mundo recuerda al mito James Dean morir en un accidente cuando corría a toda velocidad con su Porsche; o la muerte de Brandon Lee cuando rodaba El cuervo (1994). Mientras se esclarecen los hechos, podemos ver a Carradine en un anuncio para vender espadas:

El New York de los 90, 'Friends'

2009-06-06T08:00:00.002+02:00

Unos veinte minutos por capítulo. Unos veinte capítulos por temporada. Diez temporadas. No hay forma más fácil de resumir la sitcom más famosa de la historia: Friends (1994-2004). Pero dejarlo así sería superficial e injusto para Chandler, Monica, Ross, Joey, Rachel y Feeby -Matthew Perry, Courteney Cox, David Schwimmer, Matt Le Blanc, Jennifer Aniston y Lisa Kudrow respectivamente-. Seis amigos a punto de pasar el umbral de los treinta que se enfrentan en el Nueva York de los 90 a la cotidianeidad. Eso sí, desde la locura y la rareza de unos personajes fuera de todo arquetipo prefundado.

La serie funcionó entonces -y sigue haciéndolo ahora- porque las historias que narra son del día a día, las que les ocurren a todo el mundo. Allí es donde el espectador se encuentra reflejado e identificado; empezando a integrar a cada personaje en su propia existencia. Es una complementariedad de elementos, que mitigan la inverosimilitud de la extravagancia suprema mediante la cercanía. Así, sin esta serie sería imposible entender el éxito de How I Met Your Mother (2005-actualidad) o The Big Bang Theory (2007-actualidad); que no han hecho más que actualizar los ingredientes de su precedente.

Pero si existe un factor que ha determinado y potenciado las cualidades de esta sitcom; a éste lo hallamos en las histriónicas personalidades de los protagonistas. Así, los seis amigos están repletos de vitales contradicciones. Todos participan de una entrañable ingenuidad que tiende, en muchas ocasiones, a la idiotez. No hay nadie más tonto que Joey, más pesado que Ross, más paranoica que Monica, más inseguro que Chandler, más loca que Feeby o más pija que Rachel. Pero nada de esto importa, porque también son perspicaces y trascendentales cuando el momento lo requiere.

De esta forma, a lo largo de diez años, se fueron adentrando en los hogares de medio mundo -aunque no me encuentro entre ellos, pues no vi la serie completa hasta hace unos meses-. Y más allá de una pésima fotografía; me reconoció un amigo que el día que emitieron el último capítulo estuvo a punto de llorar, por lo que significaban tantas horas pegado al televisor delante de unos jóvenes y situaciones con las que se identificaba. Ese es el gran éxito de Friends: lograr que una generación creciera con ellos y quisiera ser como ellos.

El 3D y 'Toy Story 3'

2009-06-05T09:16:00.000+02:00

Los 90 quedan ya lejos y, aún más, esas gafas que se pusieron de moda para ver pelis en lo que por entonces se llamaba 3D. Sí, las que tenían dos plasticuchos pegados -uno azul y otro rojo- y que, según decía, incrementaba la realidad de las imágenes. Pues vuelven. No exactamente igual, pero de forma parecida. Así, por primera vez en la historia de Cannes, una película de animación abría el Festival. Y allí, todos con esos aparatosos cachibaches sobre la nariz para ver Up (2009). Pues bien, además, regresan también Woody y Buzz Lightyear. En junio del año que viene llegará a la gran pantalla Toy Story 3 (2010). Para ir haciendo boca, ya se han podido ver las primeras imágenes. No desvelan nada, pero menos da una piedra:

Pep Guardiola y su particular 'Gladiator'

2009-06-04T12:31:00.004+02:00

El cine y el fútbol no han estado muy unidos. No existe ninguna gran película que haya conseguido plasmar en la pantalla los sentimientos que mueve este deporte. Podemos encontrar en las videotecas las entretenidas Evasión o victoria (1981) o ¡Goool! (2005); o el bodrio Real, la película (2005). Pues bien, aunque el séptimo arte aún no ha encontrado cómo explotar el mundillo del soccer; el fútbol ya sabe cómo utilizar al cine. Este fue el video que Pep Guardiola les puso a sus jugadores minutos antes de jugar la final de Champions. Ritmo, BSO y escenas de Gladiator (2000) que sirvieron para levantar la tercera Copa de Europa del F.C. Barcelona:

Tráiler de 'REC 2'

2009-06-03T15:11:00.004+02:00

Por fín. Muchos la esperaban y me incluyo entre ellos. Jaume Balagueró y Paco Plaza regresan juntos y de la mano. Su proposito no es otro, como ya habían anunciado, que la secuela de REC (2007). Desde que pude disfrutar en los cine de esa película -imaginativa y frenética-, ningún film de terror ha conseguido saciar mis ansias de miedo. No sólo se conoce ya la fecha de estreno en España, 7 de noviembre, sino que desde hoy podemos disfrutar del teaser-tráiler. Las expectativas son elevadísimas:

Esencias: 100 pelis en 200 segundos

2009-06-03T10:10:00.002+02:00

Son de sobra conocidos los intentos por clasificar la historia del cine, por reducirla a sus obras imprescindibles -1001 películas que hay que ver antes de morir (2003)- o por simplemente sistematizar el séptimo arte. Toda persona tiene en su haber, en su letárgica memoria, una serie de escenas que le han marcado. Son fotogramas grabados con fuego en el recuerdo. Justo ahí, en esa delgada línea entre el olvido y el presente, un video de youtube nos intenta recordar cuan frágiles son las historias. ¿Cómo hacernos presente un sinfín de sensaciones? Pues trayéndonos los momentos más significativos de las películas. Este es el resumen de cien películas, pero en tan sólo 200 segundos. ¿Os suenan muchas?

Sólo el vacío, 'Revolutionary Road'

2009-06-02T09:39:00.002+02:00

Tres nombres avalan Revolutionary Road (2008): Leonardo, Kate y Sam. O lo que es lo mismo: DiCaprio, Winslet y Mendes. Los primeros, los dos actores, no habían coincidido en pantalla desde la taquillera Titanic (1997) y ambos han ido, en este tiempo, creciendo en ese mundillo de la interpretación llamado Hollywood. Eso sí, cada uno a su manera. El que fuera el niño guapo de L.A. eligió el 2006 para dar un puñetazo sobre la mesa: Diamantes de Sangre (2006) e Infiltrados (2006) le avalan con creces. De Winslet bastaría decir que cuenta ya con seis nominaciones a los Oscar y siete a los Globos de Oro -además de películas reconocidas internacionalmente como Sentido y sensibilidad (1995), Descubriendo Nunca Jamás (2004) o The Reader (2008)-.

Tan sólo tenía que llegar San Mendes para animarles y darles el último empujón -con el correspondiente efecto marketing de la pareja-. Así, el afamado director británico recupera la filosofía de American Beauty (1999) para enfrentarse a un drama sobre la desesperación y la frustración.

Todo empieza en una fiesta, donde dos jóvenes soñadores y apasionados se enamoran. Pero el paso del tiempo no les hace bien. Casados y con hijos, los protagonistas se han aburguesado y adentrado en la rutina de la clase media americana. Un coche y una casa a las afueras, como fieles representantes del sesudo sueño americano de los años cincuenta; que, para la pareja, no son más que los grilletes de una pesadilla. Entonces deciden reclamar su identidad, dejar de ver pasar la vida y aferrarse a ella -"Quiero sentir cosas", dice un personaje-.

Enérgica, la cinta va desgranando los entresijos de la que, a ojos de todos, es la familia perfecta. Detrás de la fachada se esconde mucho más; pero todo queda dentro de los muros de esa casa sobre la colina, a final de la calle de Revolutionary Road. Así, con la crítica social como sustento, el cineasta se puede enfundar los guantes de artista y dotar a los planos de un clasicismo inspirador.

Además, la película cuenta con otro personaje fantástico. Michael Shannon interpreta al único que sabe ver más allá de lo aparente, al loco que se atreve a decirle las verdades a los cuerdos. Los únicos instante donde podemos respirar ironía y coger fuerzas para afrontar lo que resta. Porque al final tan sólo espera la derrota, la sensación de haber malgastado las oportunidades y desaprovechado el destino. La felicidad no existe en el mundo creado por Mendes, sólo el vacío.

Almodóvar contra Buenafuente, mejor sin Boyero y Hermoso

2009-05-30T21:53:00.003+02:00

Ahora que Pedro Almodóvar, Carlos Boyero y Borja Hermoso están tan de moda -sobretodo tras las palabras que el cineasta le ha dedicado al crítico y al jefe de cultura de El País en su blog- tras el estreno en el Festival de Cannes de Los abrazos rotos (2009); es el momento de recuperar una entrevista que el manchego concedió a Buenafuente. El presentador catalán le pone a La Sexta un toque de humor necesario para la televisión española. Aquí, el diálogo entre ambos:

Parte 1:

Parte 2:

Parte 3:

¿Es Lars Von Trier una celebritie?

2009-05-29T11:18:00.004+02:00

La sección de Celebrities comenzó por lo bajini en La hora chanante. Poco a poco se fue haciendo un hueco en youtube y conquistando a los internautas. Cuando el programa pasó a la cadena pública -La 2- y cambió de nombre a Muchachada Nui, mantuvo estos fantásticos sketchs. Cantantes, actores y directores de cine han sido parodiados. El director de El jefe de todo esto (2006), Bailar en la oscuridad (2000) o Anticristo (2009) -una decepción para los críticos en el último Festival de Cannes- también tuvo su hueco. Este es Lars Von Trier:

Es más lo que nos une, 'Una casa de locos'

2009-05-28T13:48:00.000+02:00

En un concierto, Ismael Serrano dijo que uno se enamora de la ciudad que habita porque encuentra en ella habitantes que lo reconcilian con el mundo. No recuerdo si el cantante le adjudicaba la frase a alguien o era patrimonio suyo; pero dicha premisa sobrevuela en todo momento la película hispano-francesa Una casa de locos (2002) -cuyo título original es L'auberge espagnole-. Mas allá de la elección de Barcelona como telón de fondo y representante de la multiculturalidad europea; el director de la cinta, Cédric Klapish, presenta al espectador una historia sencilla y sin dobleces. No hay juegos narrativos ni complejidades audiovisuales. Se cuenta lo que se ve en pantalla, para bien y para mal.

Un grupo de jóvenes erasmus -en el que encontramos a Audrey Tautou con un papel secundario y aburrido- convive y habita en la ciudad Condal. En este marco, los protagonistas tendrán que enfrentarse a las adversidades de un entorno extraño, ajeno a sus costumbres, pero que termina calando en sus existencias a través de las relaciones que entretejen unos con otros. Es precisamente ese sentido el que recalca la cinta, que no se preocupa por mostrarse desentonada en la descripción de lugares o personajes; sino que lo que trata es de plasmar las pocas diferencias existentes en una Europa globalizada.

El salto de un idioma a otro con una velocidad de infarto -oiremos sobretodo francés, pero también estará presente el inglés, español, catalán y alemán- es la excusa perfecta para una película que se debe visualizar en versión original. El metraje pierde gran parte de su esencia si no participamos de esa europeización, de la variedad de matices que ofrece un apartamento con historias y pasados tan distantes. Así, el film está plagado de contradicciones que se saborean y se comprenden, que se disfrutan con el paso de los minutos y que se comparten en gran medida. Incluso hay tiempo para una arriesgada crítica a la imposición de un idioma por encima de otro, olvidando que el fin primero y último del lenguaje es la comunicación entre personas.

Al final, resta un trabajo poco original, cargado de clichés, estereotipos y vagos intentos de reflexiones dogmáticas. Pero todo ello es suplido por una naturalidad desbordante de los actores y por las situaciones propias de la edad; convirtiéndose esta cinta en la predilecta de quienes se ven reflejados en ella, sabedores de lo que significa una beca como la Erasmus.

Tráiler de 'Sherlock Holmes'

2009-05-26T13:35:00.004+02:00

El 20 de noviembre de 2009 se estrenará en las pantallas de EEUU la nueva película de Guy Ritchie. Basada en las obras de Arthur Conan Doyle, el film Sherlock Holmes (2009) apunta a convertirse en uno de los taquillazos del año. Más aún, si tenemos en cuenta que quien interpretará al avispado investigador inglés será Robert Downey Jr. El tráiler ya se encuentra circulando por la red desde la semana pasada:

Falta tanto que para qué tan poco, 'Los abrazos rotos'

2009-05-25T20:52:00.004+02:00

Almodóvar supo acompasar en Volver (2006) una historia sencilla con la magia de lo sobrenatural e inverosímil. Fue un experimento sobre la credibilidad del propio cine, que resolvió de forma brillante, con imágenes cargadas de emotividad y surrealismo. Con una capacidad sorprende para repetir las tonalidades de su anterior cinta (los rojos subrayan de manera ejemplar la fotografía), el manchego vuelve con Los abrazos rotos (2009). Pero en esta ocasión, el director no compagina correctamente una buena historia -porque el fondo de la narración es bastante interesante, aunque se explota deficientemente- con la naturalidad que caracteriza y define a su cine.

La cinta decepciona de la misma forma que lo hiciera en su día La mala educación (2004). Almodóvar se repite y muestra en la pantalla algo que el espectador ya conoce, que ha visto y saboreado con anterioridad. Así, el metraje se prolonga con el regustillo amargo de lo vivido, aunque en el público sobrevive la pequeña esperanza de que llegue a visualizarse la maestría del cineasta. El problema se encuentra en un formalismo exacerbado y en el conformismo de un metraje con aristas, con personajes poco trabajados a los que nunca llegamos a conocer en profundidad.

Además -dejando de lado a la excepcional Blanca Portillo y a unas aceptables Penélope Cruz y Carmen Machi-, las interpretaciones del elenco de actores son falsas e inestables. Lluís Homar, no sabe sacarle jugo a su personaje, un cineasta ciego reconvertido a guionista. Y el resto del reparto, sobretodo Tamar Novas, sobreactúa en la mayoría de escenas; motivados en gran parte por un guión que abusa en demasía de la trascendencia de cada palabra y frase.

Por si fuera poco, lo que comienza como un homenaje al séptimo arte -con referencias a Jules Dassin o Roberto Rosellini-, termina como una auto-oda de Almodóvar. Así, el filme Chicas y maletas que están realizando los protagonistas de la cinta, es una clara repetición de Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Además, echo en falta la audacia e inteligencia de Todo sobre mi madre (1999) o la mordacidad de ¡Átame! (1989). Porque esta vez todo tiende al enrevesamiento, a maltratos y cuernos, a tetas y sexo, a venganza y frustración. Es como un viaje donde no satisface ni el destino ni el camino recorrido. Básicamente, porque ignoramos el sentido de todo ello.

Tráiler de 'Inglorious basterds"

2009-05-21T16:35:00.004+02:00

Uno de los hijos pródigos de Cannes vuelve a la palestra. Aprovechando el Festival y el que allí lo quieren como en ningún lado, Quentin Tarantino -que ya triunfó con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994)- ha estrenado con éxito en tierras francesas su último trabajo: Inglorious Basterds (2009). Por cierto, por si alguien se lo pregunta. La "e" de Basterds -tendría que escribirse Bastards- se debe a cómo pronuncian esa palabra los protagonistas de la película. Sin más ni menos, ya podemos ver su tráiler:

Les éntreintes brissés

2009-05-20T15:49:00.003+02:00

En pocas horas cruzaré el umbral del Toison d'Or, compraré mi medio litro de Cocacola correspondiente (indispensable para disfrutar de dos horas de cine), me sentaré en un sillón ergonómico y me enfrentaré a la última película de Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos (2009) -eso sí, con el agabachado título de Les étreintes brisées-. Es lo que tiene la mundialización, al menos aquí en Bruselas, que muchos estrenos llegan con retraso. Y eso que estamos en uno de los hogares del director manchego, admirado como réalisateur en tierras francófonas, incluida Bélgica.

Para afirmarse, ayer, en pleno Festival de Cannes, Almodóvar presentó a concurso su cinta. Dijo entonces que "Francia es el país que mejor me trata, tanto en taquilla como en lo que escribe; se me trata mejor que en España, los periodistas escriben con menos prejuicios". Tiene razón en parte. Por un lado hay quien -por incompatibilidades políticas- se niega a reconocer las obras magistrales del español. Pero también esta quien ensalza todo aquello que lleve la firma de El Deseo. Es algo que siempre ha ocurrido, lo cual no quiere decir que sea correcto, y que parte de la subjetividad del arte.

Pero Almodóvar es así y su ego teme que esa falta de reconocimiento patrio por su último trabajo pueda extenderse. Aunque alguien debería decirle que el prestigio internacional que ha forjado en la última década - gracias a las formidables, magníficas e inolvidables Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y Volver (2006)- no es flor de un día.

Pero Cannes es una plaga de egos, cosa que deben pensar los enviados especiales. También Lars Von Trier -autor de Bailar en la oscuridad (2000) o El jefe de todo esto (2006)- tuvo su momento y proclamó a las olas de la villa francesa eso de "soy el mejor director del mundo". Y llega hoy Tarantino y remata la función en la presentación de Inglorious Basterds (2009): "En mis películas yo soy el dios, el que crea y quiere a sus personajes".

Son así. Parte arte, parte promoción y marketing. Hay que vender una cinta y un producto; y qué mejor que aliñarlo con declaraciones que encajen perfectamente en titulares de periódicos, revistas y magazines. Lo mejor de todo ello es que, en unas horas, cuando se apaguen las luces y enciendan el proyector, solo quedaremos yo, Les éntreintes brissés y nuestro mano a mano. Que así sea.

Cine, cine, cine... con Aute

2009-05-19T18:20:00.002+02:00

Hace aproximádamente un año, utilizábamos un post para recordar y escuchar la canción de Poncho K sobre el cine. En varias ocasiones han advertido en comentarios que esa no era la original, la auténtica. Es cierto, la obra del artista sevillano era una versión de una de las composiciones realizadas por Luis Eduardo Aute. Pues bien, es precísamente ahora el momento adecuado para sumergirnos de nuevo en un imaginario que ha calado hondo en la sociedad. Disfrutemos atentos, juzguemos y comparemos. Esto es Cine, cine, cine... de Aute:

La incertidumbre de Peck, 'La profecía'

2009-05-18T19:53:00.000+02:00

El cine de los 70 tuvo un protagonista tan especial como inesperado, el cual terminó calando entre el público y soportando extraordinariamente el paso de los años. Fue El exorcista (1973). La magnífica narración de William Friedkin asentó entre los espectadores ese regustillo amargo por lo satánico. Siguiendo el hilo y aprovechando el tirón, apareció otro de esos filmes que plagan de referentes la sociedad. Dirigida por Richard Donner, La Profecía (1976) hizo a toda una generación estremecerse ante los ojos de un niño pelirrojo, un tal Damien.

El director estadounidense -responsable de la primera Superman (1978) , de la entrañable Los Goonies (1985) y de la saga Arma letal (1987, 1989, 1992 y 1998)- enfrenta a los adultos a sus miedos infantiles. Hay oscuridad y sutileza en la fotografía, hallamos perversión y sadismo en los personajes. Además, sobrevivirán dos escenas en la mente del público. La primera: nadie asusta tanto en un columpio rechinante como el hijo del diablo, ese pequeño pecoso que se atreve incluso a mirar a la cámara, retando al espectador. La segunda: aquella en la que la cuidadora de Damien se ahorca, gritándole su amor a lo prohibido, a la tentación, al pecado.

Despejando el terror psicológico, la cinta profundiza en el drama fraternal. Así, es Gregory Peck el obnubilado padre que comienza magistralmente la narración con la voz en off -gimiendo repetidas veces el niño ha muerto, el niño ha muerto,...- y que durante el metraje se niega a aceptar la posibilidad de haber criado al anticristo. Hay un dolor emblemático en Peck derivado de la incertidumbre, del agnosticismo moderno y del sólo sé que no sé nada.

Tráiler de 'No-Do'

2009-05-14T14:28:00.003+02:00

Con el sugestivo nombre de No-Do (2009). Ese es el título elegido para una producción patria que llegará los cines españoles el 12 de junio. El guión fue escrito por Elio Quiroga en el 2001, cuando se pusieron de moda las películas japonesas de terror -¡sí!, esas de niños horribles que no tienen otra que hacer que matar gente-. El nombre se refiere a los conocidos como No-Dos secretos, unas filmaciones realizadas por el Régimen Franquista para la Iglesia en los años 40. El objetivo era documentar milagros, apariciones y sucesos parapsicológicos. Por ahora, sólo ha quedado el tráiler:

Corto de César Sarachu, 'Ya peco yo por ti'

2009-05-13T18:59:00.005+02:00

Seguro que a pocos les suena el nombre de César Sarachu. En cambio, si hablamos de Bernardo Marin, el panoli gafotas de Cámara Café, ya es otra cosa. Este actor -de culto en cuanto a películas existencialistas se refiere- ganó popularidad en Internet gracias a una serie de cortos producidos para Plus.es. Os dejo una entrevista publicada por El País y un ejemplo de uno de sus títulos, Los Güebones:

Ya peco yo por ti

La revolución de HBO, 'The Wire'

2009-05-12T21:05:00.001+02:00

Cuando el punto final de Los Soprano (1999-2007) fue una angustiosa realidad, se repitió en los medios de comunicación que nunca volvería a visualizarse en la pequeña pantalla una obra de arte de tales características. Era el fin de una era. La revolución que encabezaba HBO parecía acabada, finiquitada. De ahí para adelante todo sería cuesta abajo. Pero en 2002 había empezado a gestarse otra maravilla. The Wire (2002-2008) ya acentuaba en cada capítulo la importancia del guión, de los personajes trabajados, de la historia, de los secundarios y de los pequeños detalles.

Comienza como si tal cosa. En los tribunales de Baltimore, un policía - Jimmy McNulty, interpretado por Dominic West- está dispuesto a emprender una cruzada contra los líderes del narcotráfico de la ciudad. Es la punta del iceberg argumental. Tras la cortina de humo, se entreven otros temas importantes: la corrupción, las ansias de poder, rivalidades, venganzas y un interminable etcétera que se reparte en 60 episodios y cinco temporadas.

Todo ello es el resultado de una obra compleja y exhaustiva, escrita por David Simons y Ed Burns -periodista y policía respectivamente-. Los diálogos beben del lenguaje de la calle, de los barrios negros más marginales de los EEUU. Con cada palabra se inyecta heroína, con cada silencio se huele el verde dólar americano. Es una experiencia hipnótica la que nos proponen sus creadores. Una trama que te capta poco a poco, dejando de lado todas las fórmulas comerciales.

Escalofriantemente realista, los personajes son ambiguos, ni malos ni buenos -grises y en diferentes tonalidades-. No hay reglas de correctismo político a la hora de describir a jueces, periodistas, policías o políticos. Y el resultado es brillante. En ocasiones parafraseada por Obama, la obra consigue arrastrar también al espectador hacia la autocrítica social -un ejemplo se produce con Omar, un atracador de narcotraficantes homosexual, quizá el más héroe de todos los que merodean por Bmore-.

No llames a lo que hacemos guerra contra el narcotráfico. No es una guerra, porque las guerras se acaban. Nunca un juicio fue tan acertado.

Tráiler de 'Tetro'

2009-05-10T10:43:00.000+02:00

Francis Ford Coppola es uno de esos directores que merecen atención sólo con mencionar su nombre. Todo proyecto que lleve impresa la firma del autor de El Padrino (1972) o Apocalypse Now (1979) tiene la obligación de ser visto. El 11 de junio llega a los EEUU su última cinta, Tetro (2009) -aún sin fecha de estreno en nuestro país-. Por ahora, debemos conformarnos con el tráiler:

El genio llamado Clint, 'Gran Torino'

2009-05-08T10:36:00.001+02:00

Me gustaría continuar lo que empecé, al hablar de El curioso caso de Benjamin Button (2008), sobre la última edición de los Oscar. En dicho post alabé el film de David Fincher, muy superior a Slumdog millionaire (2008) -vencedora de la estatuilla a mejor película-. Pues bien, considerando lo mismo y habiendo reflexionado un poco más sobre las candidatas, he de decir que faltaron entre las nominadas dos cintas muy superiores al resto. Por un lado, la impresicindible El caballero oscuro (2008), que tuvo que conformarse con el premio póstumo a Heath Ledger y que sin duda debía haber sido la gran triunfadora del año en el Teatro Kodak. Por otra parte, la obra de un genio como Clint Eastwood también debía haber contado con su cuadradito en esa famosa multipantalla pre "the oscar goes to...". Hablamos de Gran Torino (2008).

En esta ocasión, el director se centra en contar la historia de un personaje racista, gruñón, solitario, mal padre y un sinfín más de adjetivos descalificativos. El propio Eastwood encarna al protagonista. Con un lenguaje perturbador y cínico, el guión afila los dientes de todos los puritanos retrógrados de izquierdas, admiradores del correctísmo político e hipócritas de las inestables verdades universales. Nadie que peque del ¡Oh, Dios mío, cómo puede decir eso! se sentirá cómodo al enfrentarse a este arriesgado metraje.

Decía un famoso cómico inglés que una sociedad es plenamente igualitaria, cuando es capaz de reirse igual de los blancos y negros, judíos y cristianos, británicos y turcos. Es justo en esa premisa donde ahonda la narración, criticando la inestabilidad social de una clase media americana perdida entre las bandas de japos, negratas e hispanos.

Hay en esta obra una naturalidad desbordante, una capacidad para relatar digna del mejor escritor. El que fuera Harry el sucio; quien asolara el far west con espaguettis en la recámara o sin conceder el perdon; el que dibujó un thriller trepidante y místico en un río; o el que sacará la faceta más emotiva de Kevin Costner en Un mundo perfecto (1993). Ese es el genio llamado Clint. Un hombre que ya ha anunciado su retirada de la interpretación, pero que esperemos siga tras las cámaras regalándole al mundo belleza en 24 milímetros.

Reportaje sobre 'The Wire'

2009-05-07T10:08:00.000+02:00

Hace pocos días que terminé una de las series más espectaculares que he visto. Pocos shows están por encima de The Wire (2002-2008) -si acaso, Los Soprano (1999-2007)-. De hecho, en España, donde sólo se han estrenado las dos primeras temporadas, el stock de DVDs se ha agotado. Y todo ello, gracias al boca a boca. En breve, escribiré un post sobre las impresiones que me ha producido sus 60 episodios. Hasta entonces, podemos saborear un reportaje sobre ella:

El tiempo te condena, 'El curioso caso de Benjamin Button'

2009-05-06T10:00:00.005+02:00

En 1981, en la ceremonia de los Oscar, se gestó una de las injusticias más clamorosas de la historia del cine. La correcta e inteligente Gente corriente (1980) de Robert Redford alzó la estatuilla a mejor película. En el camino se quedó la obra maestra de David Lynch, El hombre elefante (1980). Por si eso fuera poco, tampoco se le concedió ninguno de los otros siete premios a los que optaba. Dejando de lado las distancias -y faltándome aún por visualizar Frost contra Nixon (2008)-, este año se puede apreciar un caso similar. Es cierto que El curioso caso de Benjamin Button (2008) no es, ni de lejos, la gran obra de Lynch; pero, desde luego, supera con creces a Slumdog millionaire (2008).

En la cinta de David Fincher encontramos un guión perfectamente entretejido, una narración clásica al mejor estilo de Hollywood. Basándose en la excelencia audiovisual y con el objetivo de dotar a cada plano de una supremacía existencial, el director demuestra lo efímero de cada momento. Es cierto que otros filmes ya se adentraron en el tema -la más comercial debería remitirnos al Carpe Diem de El club de los poetas muertos (1989)-, pero en esta ocasión dos historias de amor sostienen con una solemnidad espasmódica al soberbio Brad Pitt. El actor estadounidense es la gran baza del director, que ya supo sacar todo su potencial en las magistrales Seven (1995) y El club de la lucha (1999).

Casi tres horas que hipnotizan y un metraje sobrevolado constantemente por el poder del saber contar historias, por la naturalidad en la construcción de un relato prodigioso y en la sucesión de verdades que conducen a hilos argumentales ocultos. Basada en un relato de Francis Scott Fitzgerald, la película cuenta la vida de un hombre que nació viejo y cuyo ocaso de la vida no es otro que olvidarlo todo, mientras rejuvenece hasta desaparecer en la nada. Es un cuento de opuestos, de contraposiciones.

Y es precisamente el tiempo como tema, la dificultad que entraña la película. Pero Lynch sabe enfrentarse con garra a la descripción de lo intangible. Todo ello con la muerte como telonera, como escudera perfecta para la melancolía y la apatía. Consciente de su anormal existencia, Benjamin es el instrumento idóneo para ahondar en una fábula que irá recavando importancia con el paso de los años, mientras que Slumdog millionaire (2008) pasará a convertirse en otra anécdota más, cargada de extravagante oportunismo.

Concentrando el arte

2009-05-05T10:10:00.004+02:00

No nos cansamos de ver cortometrajes concebidos como anuncios: Vigalondo, Fesser o Alex de la Iglesia. Incluso proyectos censurados por una supesta violencia excesiva. Pero el caso nos lleva a Pantene y a un spot tremendo e increible. Los anteriores no son más que minúsculos soldados de plomo concebidos para escoltar a un rey. En Japón han logrado concentrar el arte en escasos minutos, como ya hicieran con la poesía.

Un tren sin paradas: de Chequia, Praga y Olomouc

2009-05-04T12:17:00.009+02:00

Hay cosas que sólo se pueden descubrir in situ, recorriendo las calles de un país o hablando con sus gentes -aunque sea melodramático-. Para ello, el viajar es el sacacorchos perfecto. El instrumento idóneo para ahondar en los secretos de una región. Pero ustedes se preguntarán que a qué viene todo esto.

Pues bien, estando por tierras checas, recordé en varias ocasiones las repetidas quejas que se pueden escuchar en España sobre el retraso en el estreno de muchas películas -sobretodo en lo que a cine independiente se refiere-. Lejos del cine comercial de Hollywood, es habitual que filmes de reconocido prestigio internacional y con varios premios en su haber, lleguen con un par de años de retraso. Ni siquiera importa quién sea su director.

Pero por otros lares están peor. En Praga -tierra de Kafka o Dvorak- pude charlar con uno de esos chechos de cuna, quien me terminó contando que series como Los Soprano (1999-2007), Cómo conocí a vuestra madre o Padre de familia, aún no se han dignado a pisar el país. Evidentemente, mi sorpresa fue mayúscula; teniendo en cuenta que tienen el aval de un anterior éxito mundial.

Y la guinda llegó en Olomouc, ciudad del este de la república y con más de cien mil habitantes. Allí, con cinco años de retraso, se estrenaba Los chicos del coro (2009) -como puede verse en la foto-, dentro de un ciclo de cine europeo. Es lo que tiene la globalización, ya lo dijo Kofi Annan: es como un tren de alta velocidad, pero con pocas paradas.

Una excusa para hablar de la India, 'Slumdog millionaire'

2009-04-27T12:56:00.010+02:00

Con un guión tramposo y sobresaltado, Slumdog millionaire (2008) utiliza a la éxotica India como principal instrumento narrativo en una película predecible y cargada de estereotipos -algo que ya hizo en su día, y mucho mejor, La boda del Monzón (2001)-. El metraje se centra tanto en describir la pobreza extrema de las clases bajas del país, que se olvida de profundizar en los personajes. Nos hallamos ante un esbozo de film, un pequeño esquema irregular, con altibajos continuos y excesivos flashbacks.

Todos esos defectos se sobreponen con un efectivo montaje, cargado de intensidad. La banda sonora es el acompañante idoneo a una perfección audiovisual brillante, con planos electrizantes y renovadores. Eso sí, lo que nos ofrece la imagen nos lo roba el guión. Queremos saber por qué los policías llegan a torturar al protagonista, pero la respuesta que se nos da es simple y banal. Igual de superflua que esa relación de amor eterno entre Jamal y Latika; o el heroismo de un hermano traidor y detestable que, por un instante, recapacita y es capaz de convertirse en mártir.

Es una cinta amable, familiar y especialmente palomitera. Lejos de la espléndida, esperpéntica y valiente Trainspotting (1996); Danny Boyle ofrece en esta ocasión un cine optimista. Desde el minuto uno sabemos que todo saldrá bien y, justo eso, le resta verosimilitud y dramatismo a la película.

El concurso televisivo 50x15 -o ¿Quieres ser millonario?, según nos dé por llamarlo de una forma u otra- es un factor adicional, un eje para una narración centrada en explicar otros menesteres. Es una excusa para hablar y describir a la India, para relatar lo excéntrico e irracional.

Una comedia sin más, pero tampoco sin menos, 'Rivales'

2009-04-15T17:09:00.000+02:00

La comedia española ha sabido regenerarse en la última década. Quedan ya lejos las cintas de José Luis López Vázquez -y su grito de guerra: las alemanas-, imbuidas de un casticismo español demasiado rimbombante. En 2002 hubo una película, El otro lado de la cama, que revitalizó el género y le dio alas a una tropa de buenos actores que se desvivían en las series de televisión. Desde entonces se ha intentado repetir la fórmula: Días de fútbol (2003), El penalty más largo del mundo (2005), Los dos lados de la cama (2005) y, el pasado año, Rivales (2008).

Dirigida por Fernando Colomo -ya conocido por sus famosas Bajarse al moro (1989) y El efecto mariposa (1995)-, el filme narra las aventuras y desventuras de los padres de dos equipos de futbol infantiles, uno catalán y otro madrileño, que van a Sevilla a enfrentarse en la final nacional. Dejando de lado los estereotipos regionales que salen a relucir, la película ahonda en las histriónicas características de unos personajes exóticos y delirantes. Así, con un correctísimo guión, los diálogos simples (pero efectivos) logran entretejer una divertida y entretenida comedia.

Para ello, se echa mano también de un muy aceptable reparto. Habría que empezar con el hilarante y mordaz Gonzalo de Castro, que -aunque da vida a un secundario- sabe dotar de autenticidad a su personaje y a todos los que lo acompañan. Ernesto Alterio también logra conjugarse con ese padre perdedor al que interpreta, relleno de lagrimones moralistas de quita y pon. Incluso Santi Millán, Rosa María Sardà o Jorge Sanz tienen escenas brillantes en esta obra coral que no peca de demagógica.

Así, entre altibajos, avanzamos por una narración desvirtuada de ritmo, dominada por la irregularidad de la intensidad a lo largo del metraje. Al final, todo se resuelve de manera simplista entre una marabunta de tópicos del género, resolviendo la situación con justamente lo esperado. Es una comedia por encima del montón, pero no hay mucho más.

Euskadi según Hollywood

2009-04-13T20:32:00.001+02:00

En algún post cercano hablábamos de los prejuicios y demás historias. Mientras algunos han observado la Semana Santa sevillana con un prisma demasiado especial, en Hollywood también intentaban desentrañar los entresijos de Euskadi. Ya se había visto en un capítulo de McGyver como éste luchaba contra unos revolucionarios vascos -que vivían en cabañas con bananas colgadas en las puertas-, pero hay que reconocer que la cantidad de fragmentos recogidos en este video son inmejorables:

Sólo queda el mito, 'Los Inmortales'

2009-04-12T12:12:00.002+02:00

Las películas se pueden convertir en auténticos referentes culturales para una generación. Es el caso de Los Inmortales (1986), objeto de culto para todos aquellos adolescentes de los 80 que llevaban los jeans por encima de la cadera. Dejando de lado hombreras, coderas y chaquetas nevadas de la época, el vestuario reviste una banda sonora excepcional -Queen resuena como nunca- y da forma a un guión demasiado pobre.

Los efectos especiales, artes marciales y piruetas de los protagonistas pretenden suplir una historia cogida con pinzas. Es simplona y facilona. Incluso los flashbacks parecen incrustados a regañadientes en una narración muy lineal, que mezcla alocadamente espadas del siglo XVI y una estética modernista -cosas del Nueva York y el mítico humo que sale de sus alcantarillas-.

Pero a pesar de todo ello, la cinta se degusta como un postre a media tarde. Puede ser por el halo de misticismo que Christopher Lambert sabe otorgarle a la película o, quizás, porque Sean Connery vuelve a ser un maestro de la interpretación cuando se enciende la cámara -además, podemos verlo en su primer papel como mentor, que después repetirá en filmes como El nombre de la rosa (1986), Indiana Jones y la última cruzada (1989) o La roca (1996)-.

El film es repetitivo, aburrido en muchas ocasiones y superfluo a la hora de ahondar en sus protagonistas. Cuando se estrenó no tuvo mucha repercusión, pero poco a poco se fue convirtiendo en la película de ciencia-ficción del recuerdo, en el elemento reivindicativo de una juventud perdida por aquellos que ahora gastan corbatas y se afeitaron el bigote hace tiempo.

Del popart o del popmusic

2009-04-10T12:00:00.002+02:00

Los pequeños detalles cambian tanto las cosas. Así, se puede cantar en el cine o cantarle al cine. Se puede dedicarle una melodía al séptimo arte o servir como hilo conductor de una cinta. En su día, trajimos a la palestra el homenaje a Truffaut de Poncho K; pero también la flaqueza de Extremoduro. Y todo esto viene al caso, porque en el metro de Bruselas -que no me canso de recorrer en el último año- no hago más que escuchar una canción de Mecano, El Cine. Habrá que ponerla, ¿no?:

La Semana Santa sevillana según 'Misión Imposible II'

2009-04-09T18:41:00.005+02:00

Los estereotipos son odiosos, pero al menos se basan en generalizaciones simplistas y reduccionistas. El problema de éstos es que asientan prejuicios infundados. El cine está lleno de ellos, desde luego. En las películas de España hay tablaos flamencos en todas las esquinas del territorio nacional -desde Algeciras a Ferrol-; en Francia todos llevan boina, ya sea el más bohemio de París o un campesino de la Bretaña; y en EEUU (tierra por excelencia de generalizaciones) hay animadoras, pringaos con gafas y quarterbacks. Todo esto se reduce a meras anécdotas cuando decidimos traspasar las fronteras, pero ¿y si se da una imagen absolutamente equivocada? Es lo que ocurrió en la horripilante Misión Imposible II (2000). Ambientada en la Semana Santa sevillana, la cinta refleja unas procesiones un tanto especiales. No hay nazarenos. Sólo gente que porta antorchas, quema a sus santos y gente borracha que porta un pañuelo de San Fermín al cuello. Mirad, primero. Después, reíd o llorad (es cosa vuestra):

Buscando el 'american dream'

2009-04-05T18:30:00.001+02:00

Will Smith es el gran Rey Midas de Hollywood. Lo dicen las estadísticas y los expertos en la explotación del celuloide, pero sobre todo lo gritan las ingentes cantidades de dólares que se acumulan en las arcas de las productoras que apuestan por el gran Príncipe de Bel-Air. Allá por los 90, tuvo su época dorada en la televisión -acompañado por el bailón Carlton Banks- y desde que se decidió por el séptimo arte, no hace más que imponer su imperio con taquillazos. El pasado año hizo doblete con Hancock (2008) y Siete almas (2008), aunque en esta ocasión nos retrasaremos un poco más en el tiempo para poder hablar de En busca de la felicidad (2006).

El actor estadounidense interpreta a Chris Gardner, un inteligentísimo soñador que tiene que combinar el criar a su hijo -el propio infante de Smith- con su periodo de prácticas en una compañía de bolsa. Lo que comienza como una fábula sobre la inestabilidad económica de la baja clase media americana; se pierde en el intento de entremezclar la mirada ingenua del niño con el amor incondicional de un padre que arrastra la sensación de poder fracasar.

El inconsistente guión se sobrepone a la personalidad de Smith, que asume la responsabilidad de la película y se echa a la espalda 90 minutos de desgracias y sensiblería. Hay tiempo para pañuelos y mocos, para risas y cubos de rubik. Incluso el vestuario de los 80 es objeto de oportunas bromas sobre pantalones y camisas.

Al final, lo que se quiere demostrar no es ni mas ni menos que la suprema existencia del sueño americano, auténtico protagonista de la cinta. Ese ente superfluo e intangible, que sobrevuela la mente de una población que decidió en su día aferrarse a lo posible y renunciar a la realidad.

'Compañía' y soledad

2009-04-02T16:33:00.003+02:00

Volvamos con esas pequeñas obrillas llamadas cortometrajes. En esta ocasión, traemos la obra de Alex Hernández titulada Compañía (2005). No parece una pieza excepcional, pero si que se puede vislumbrar en ella una poética diferente. Es una especie de respuesta a esas dos soledades que diferenciaba Antonio Gala: la deseada y la impuesta. Más allá, se salvan algunos planos cotidianos; pero tampoco gritemos muchos olés.

El producto Potters

2009-03-30T00:05:00.001+02:00

Segundas partes nunca fueron buenas. Viejo refrán omnipresente en el séptimo arte y que muchos creyeron acabado con El Padrino II (1974). Una pena que se equivocasen entonces, porque si deprimente era la segunda entrega de Harry Potter, imagínense la cuarta, Harry Potter y el cáliz de fuego (2005). Tal vez, lo único positivo que se pueda decir de esta cinta, es que ritmo no le falta. Eso sí, para conseguirlo, el director -que por primera vez en la saga es inglés, Mike Newells- dispone una sucesión de escenas inconexas, donde los rápidos y continuos cortes provocan que el espectador pierda el sentido de lo que está visualizando.

En cuanto a la trama, más de lo mismo: el pequeño Potter tiene que vencer de nuevo a Voldemort. Mientras, se produce la competición de los tres magos -que esta vez son cuatro, representantes de los tres colegios y, mira tú por donde, Harry-. A esto se le suma un escaso desarrollo de los personajes, demasiado estereotipados: un fortachón que se liga a la amiga de Potter, la preciosa chica que encandila a Ron y el típico lider de las comedias adolescentes.

Newells aporta a la cinta un oscurecimiento de la imagen y muchos más efectos especiales de lo que hicieron sus antecesores. Con esta fórmula, el realizador intenta saciar la imaginación de los espectadores. Algo que por si sólo el guión no consigue. Por su parte, las actuaciones de los jóvenes protagonistas dejan mucho que desear, tirando a vergonzantes y ridículas. Los actores restan verosimilitud y tensión al film. Personajes acartonados e irreales.

Harry Potter sigue siendo un producto de Hollywood para hacer dinero. El objetivo no es otro que atraer a los cines al mayor número de personas; sabiendo que la prolongación de las salas se hallará en las tiendas de merchandising.

Tráiler de 'Ben X'

2009-03-27T14:19:00.011+01:00

Desde Bélgica -aunque coproducida con los holandeses- llega una de las películas más atrevidas e innovadoras. Dos años despúes de su estreno, arriba a las pantallas españolas Ben X (2007) de Nic Balthazar. Mezclando realidad y ficción, el cineasta se adentra en el mundo de los videojuegos. Un adolescente, objeto de burlas en el instituto, desarrolla su personalidad en un juego online. El enfrentamiento entre lo que realmente se es y lo que se quiere ser conformará el eje de esta producción europea. El tráiler es sinceramente alucinante:

De la SGAE, Ramoncín, Borau y la Warner

2009-03-26T00:05:00.008+01:00

Por ahí andarán los hipócritas de la SGAE. Esos señores que piden respeto legal hacia sus creaciones, pero que infringen los derechos de los demás colándose en eventos privados como bodas, comuniones o bautizos -la tradicional BBC-. Es lo que tiene el dinero y el poder. Primero impusieron un canon a todos los ciudadanos y el PSOE tragó -como lo hubiera hecho cualquier otro partido-; y después emprendieron procesos judiciales contra particulares o gente que descargaba archivos desde su casa -algo absolutamente PERMITIDO en España-. Ramoncín hizo bien en huir de la presidencia. El que fuera icono de la subversión no podía encabezar una organización que despierta tales odios entre gran parte de la población. En su lugar pusieron a José Luis Borau, más acorde a la imagen de tal ente.

El problema de estos individuos, con ojos a lo Gran Hermano, es que en vez de innovar; han decidido apostar por un sistema represivo. Se quejan de las descargas, de que la gente no va al cine a verlos, que si patatín o patatán -aunque siguen incrementando sus ingresos-. Pues bien, mientras ellos piensan que internet es el ogro de la ciénaga, otras productoras apuestan por él. Ya son numerosas las páginas donde, por un precio módico y muy aceptable, puedes ver filmes o escuchar música.

Incluso la Warner ha ido más lejos. La legendaria compañía decidió abrir su archivo cinematográfico y poner a disposición de todos un sistema de pedidos de todas las cintas que posee. Es decir, hagamos cuentas. La Warner cuenta con unas 6.700 piezas, de las cuales sólo 1.200 han llegado alguna vez a los estantes digitales del público -y sólo 5oo más se editaron en VHS-. Ahora, desde la web www.warnerarchive.com, se puede comprar películas descatalogadas por sólo quince euros o descargarla por once. Aunque aún sólo hay 150 títulos disponibles, se espera ir aumentando la cifra a un ritmo de 20 o 30 semanales.

Evidentemente detrás de este altruista gesto hay un importante negocio e ingresos económicos. Pero, ¿no ven la diferencia? Mientras unos se quejan y acusan a los demás de ladrones -e incluso el Ministerio de Cultura saca un decálogo falso y manipulado sobre la mal denominada piratería-, los de más allá del Atlántico también se quejan, pero además piensan. Cosas de cada industria.

La americanada del Zorro

2009-03-25T00:20:00.001+01:00

Al igual que Cristo en el Nuevo Testamento, el Zorro comienza La leyenda del Zorro (2005) diciéndole a su mujer Yo soy el que soy. Así, auguraba algo que ya debió pensar Catherine Zeta-Jones: esta historia está acabada. La continuación de La Máscara del Zorro (1998) empieza con el divorcio de la pareja protagonista y termina con el del público y el director. En esta ocasión Martin Campbell carece de imaginación, pues en el film se echa en falta más elementos que añadidos hay. Lo único relevante en esta secuela de capa y espada, lo hallamos en la aparición del joven Joaquín -Adrián Alonso-. Este personaje, hijo del enmascarado, regala una escena (la pelea con su profesor) lo suficientemente divertida como para salvar durante unos minutos la película. Después, seguimos aburridos.

En cuanto a los protagonistas, hay que hablar de ellos con despecho. En esta segunda entrega traicionan el espíritu que empujaba a los espectadores de la original a agarrar un antifaz e impartir justicia. Hasta el caballo, de nombre Tornado, conecta más con la audiencia que Antonio Banderas, muy lejos de ese prometedor actor español que marchó a Hollywood. Por su parte, Zeta-Jones no consigue transmitir la verdad de su personaje: es artificial y diáfana.

Por si todo esto no fuera lo suficiéntemente decadente, el personaje protector del pueblo mejicano se pone al servicio de la causa estadounidense. Durante dos horas, la cinta intenta encandilar al público sobre las maravillas de la coalición norteamericana e, incluso, me atrevería a hablar de propaganda panfletaria.

Realmente, el error de la película deriva de un guión sin fuerza, innovación o imaginación. Tal vez, tenga mucho que ver la marcha de Ted Elliot y Terry Rossio, los guionistas que elaboraron la primera parte y autores también de Shrek (2001) o La maldición de la perla negra (2003).

La censura indiscreta

2009-03-24T16:04:00.004+01:00

Este mismo mes y en dos ocasiones, dos cineastas españoles han trasladado su quehacer audiovisual a la pequeña pantalla. Primero, se habló de Vigalondo y su relación con Pikolín. Después, Javier Fesser daría su respuesta conjugándose con Iker Casillas. Pues bien, los spots publicitarios son también una buena academia para la experimentación. Ya lo hizo en su día Alex de la Iglesia -con FNAC-. En esta ocasión, traemos un anuncio de XBOX que fue censurado en la televisión. Debió ser que a los defensores del telespectador les dolían los ojos de ver tanta basura y, cuando le pasaron una original muestra de ingenio, no supieron apreciarla.

El arte se discute, el fundamentalismo no

2009-03-21T21:49:00.001+01:00

Aunque nos pongamos exquisitos o rácanos, peregrinos o extravagantes; el divagar sobre el relativismo del arte -ya sea la pintura más abstracta, el cine más surrealista o la escritura más encriptada- nos puede llevar a concluir la concepción del arte como una oposición hacia los estándares dogmatizados o prejuicios instaurados en la sociedad. Desde luego, no estamos lejos. Si entendemos esa premisa como una incitación a la originalidad y a la creación sin límites ideológicos, llegaremos a observar el impulso sufrido por los autores cuando se les impide el desarrollar su capacidad.

En el cine es exponencial esa presencia. Los poderes establecidos comprenden desde hace tiempo el poder supremo de la imagen. Por supuesto que la palabra tiene una hegemonía intelectual -que se lo digan a Saviano, excluido de la vida por unos indeseables-; pero primero la fotografía y derivados (carteles y anuncios), y posteriormente el séptimo arte, han hecho del dicho ver para creer un estándar que arriba hasta la creencia a través de la observación.

Y los fácticos saben que lo que está a su favor también puede estar en contra. Si nos trasladamos hasta la India, hallamos el caso perfecto. Extremistas hindúes paralizaron el rodaje de una película de Hemant Hegde porque en una secuencia aparecía una estatua de Chaplin. Demostrando su ignorancia, argumentaron que cómo se iba a colocar a un personaje cristiano en tales parajes -olvidando que el actor británico era agnóstico declarado-. Por supuesto, las autoridades locales apoyaron el movimiento. Incluso un líder local del partido gobernante demostró su espléndido raciocinio: "Si los locales están en contra de esta estatua, yo también estoy en contra. ¿Por qué uno debe preocuparse tanto por Charlie Chaplin, que ni siquiera era indio?", declaró a The Times of India.

Trasladándonos poco a poco a parajes occidentales, La Pasión de Cristo (2004) de Mel Gibson ya sufrió la crítica feroz de los fundamentalistas judíos, que acusaban al director estadounidense de endemoniar la figura de los judíos. En otros casos, es la Iglesia Católica la ofendida. Los periódicos acaban de publicar la invitación a boicotear Angeles y demonios (2009) -segunda parte de El código Da Vinci (2006)- y no se puede olvidar el movimiento contra Camino (2008), llevado a cabo en todos los medios de comunicación, incluido este blog.

Al final, hallamos una serie de fundamentalistas retrógrados que exigen un respeto hacia sus creencias -cosa absolutamente merecida-, pero que se hartan de vilipendiar el trabajo de los demás. Utilizan el desprecio y las etiquetas como armas de ataque. Pero como todo, al final, donde las dan las toman. La Pasión de Cristo (2004) es una muy buena película, seguramente la mejor de Gibson tras Braveheart (1995). Y, por supuesto, Camino es la gran obra maestra que nos dejó el cine patrio en 2008.

Sobre la ilustración del artículo: Os dejo la Discusión de la Divina Comedia con Dante, obra de tres pintores taiwaneses donde plasmaron a los que consideraron los 103 personajes más relevantes de la historia de la humanidad. Los autores no identificaron a ninguno de los que aparece en el lienzo y, aunque algunos son evidentes, la discusión para saber quién es quién está a la orden del día en foros y blogs. Entre los retratados, observamos grandes figuras del cine como Marilyn Monroe, Charles Chaplin o a Marlon Brandon caraterizado como el Padrino.

Mordió Spielberg en 'Tiburon'

2009-03-17T01:00:00.001+01:00

Cuentan los rumores que cuando el compositor John Williams le mostró a Spielberg la base de lo que sería la BSO de Tiburón (1975) -Jaws para los cinéfilos-, al pobre director casi le da un soponcio. Sentado delante de su piano y con el cineasta a sus espaldas, el músico presionó de manera constante una tecla, para volverse después y explicarle al estadounidense que allí estaba la esencia de una obra maestra del suspense.

En resumen, es precisamente esa constante ausencia de lo conocido lo que encontramos en la película. Durante toda la cinta los protagonistas tienen que enfrentarse y controlar el terror psicológico que se desprende de lo sobrehumano, de lo que no controlamos o de lo que nos supera en fuerza y entendimiento. Lejos de las monstermovies de media tarde, Spielberg sabe merodear por las cercanías del miedo más primario del ser humano, explotando la cotidianidad para bailar por las dunas de las soleadas playas de Amity Island.

Además, Tiburón no es sólo el enfrentamiento del hombre contra la naturaleza, sino que se lee entre líneas una profunda crítica hacia la hipócrita sociedad, corrupta y enferma. Es el dinero lo que importa en ese pequeño pueblecito de los EEUU donde el escualo ha hecho su aparición. Ni dos muertes son suficientes para que el alcalde o los comerciantes se decidan por cerrar las playas, no vaya a ser que el poderoso Señor Dolar huya a los pueblos vecinos.

Años más tarde, ya en los 90 y en plena época digital -cuando se pudo dejar de lado las enormes máquinas que hasta entonces habían dado vida a los monstruos de Hollywood-, el creador de Indiana Jones volvería a reinventar el género, esta vez con Jurassic Park (1993) y con una nueva etapa de explotación del merchandising.

Pero hasta entonces quedaba mucho. Entre ello, disfrutar de un trío interpretativo de excepción. Roy Scheider es el moralista jefe de la policía, que parece cargar a sus espaldas la responsabilidad de todo el mal que se genera en la isla. A su lado se alzan dos personajes de altura, que absorben poco a poco el protagonismo de la cinta. Por un lado, Richard Dreyfuss es el estudioso de los tiburones que llega como ayuda al pueblo. Mientras que este se postula como un ser inteligente y pijo, joven y dinámico; hallamos a su antagonista montado sobre la proa de un barco. La versión moderna del Capitan Ahab se concentra en Robert Shaw, quien da vida a un corrosivo marinero, prepotente y cínico. Los tres conducen por el mar hasta chocar con sus pesadillas, para despedirse entre explosiones: "Sonríe, hijo de puta", le espeta uno de ellos al tiburón.

Happy Birthday, Simpsons: nos dejáis una intro

2009-03-15T10:00:00.005+01:00

El 17 de diciembre de este año será una fecha importante para la historia de la televisión mundial y de la sociedad moderna. Los Simpsons cumplen 20 años de emisión. Es como un sueño hecho realidad, el poder seguir viendo las aventuras de esta familia es algo formidable para la salud mental de los que tienen que afrontar el día a día de un mundo hipócrita. Es un continuo soplo de aire fresco, donde las ideas se renuevan en cada capítulo. Puede que la premisa original se haya desgastado, que ya no sean los perfectos diablos de las primeras temporadas. Pero, joder, que sigan así por muchos años; demostrando que se puede hacer buena televisión. En su día tendrán un final, como todo. Triste y desesperado, será entonces el momento de analizar el tiempo que ha pasado desde que Lisa, Bart, Maggie, Marge y Homer abarcaran el tubo de imagen de ese objeto llamado tele. Es humor inteligente y para celebrarlo nos dejan una nueva intro que podemos disfrutar.

Tráiler de 'Drag me to hell'

2009-03-14T10:00:00.003+01:00

Sam Raimi -el que fuera director de la entretenida Spiderman (2002), la aceptable Spiderman 2 (2004) y la nefasta y abominable Spiderman 3 (2007)- regresa a las pantallas. En esta ocasión vuelve al género que lo engendró y convirtió en el famoso director de Hollywood que es hoy. Sin olvidar que fue Posesión infernal (1981) la que le otorgó fama y fortuna -sobretodo sus secuelas de 1987 y 1992-, parece recrearse en el terror y controlar de manera perfecta los tempos del género. Por ahora, sólo tenemos el tráiler; pero Drag me to hell (2009) apunta maneras.

La cruzada del Sr. Jones

2009-03-13T12:00:00.002+01:00

El Dr Jones tardó años en regresar. De forma correcta pero insuficiente, las aventuras del arqueólogo coparon las salas para decepcionar a los adeptos y entretener al resto de seres humanos. Dejando de lado el desastroso final de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008), en el film se recuperaba la esencia que hizo triunfar a la saga. Aventuras y humor, entremezclado y agitado por la acción impuesta por el látigo.

Aunque tiene dos predecesoras, Indiana Jones y la última cruzada (1989) es la gran obra maestra del género: la mejor película de aventuras de la historia del cine -era necesaria la negrita-. Por un lado encontramos a un Harrison Ford inconmesurable, que ha asumido ya hasta los minúsculos detalles de su personaje y que se deja llevar por la esencia de Indiana. Como fiel escudero, aunque con barba y voz de progenitor, Sean Connery cuaja como el obstinado padre del héroe, cuya evolución psicológica y emocional marca el devenir narrativo de la cinta. El que fuera, según algunos, el mejor 007, sabe desentrañar las virtudes de un historiador inteligente y orgulloso, que ha sacrificado su vida al Santo Grial.

Porque la mezcla de historia y superstición engancha. Los caballeros de las cruzadas parecen la antítesis perfecta para un mundo putrefacto, donde los nazis campan a sus anchas. Con un Adolf Hitler que sirve como excusa para uno de los momentos más emocionantes del film: a quién se le ocurriría la genial idea de que el propio Führer le firmara el diario al señor Jones.

Y para hilar los diferentes tejemajes de los personajes, hallamos un guión delimitado por la angustia de que algo tan bueno tiene que acabarse. Con un desenlace arrebatador, los giros de la historia se suceden. Hay que agacharse, saltar, conducir un tanque y caer por un precipicio. Con Petra y sus escarpados horizontes como espectadores de lujos, terminamos con la escena final más arrebatadora del séptimo arte. Recordando a los mejores westerns, los Jones, Brody y Sallah se alejan galopando, en pleno desierto y con una puesta de sol al fondo. Un magistral punto final en ese momento; aunque ahora tan sólo sea un continuará.

¡Me siento segurooooooo!

2009-03-09T17:09:00.004+01:00

Empezamos la semana pasada con el anuncio de Vigalondo para Pikolín y, ahora, nos adentramos en el spot publicitario con otro de los grandes directores del cine español. Javier Fesser, quien triunfó en los últimos Goya con Camino (2008), hace cantar a Iker Casillas y recupera la esencia más loca de sus cortos y de El milagro de P. Tinto (1998). ¡Me siento seguro!